MONIXXARTES

CUARTA PARTE VIDEO ARTE MEXICANO "LOS GRUPOS"

2012-01-06T17:13:00.000-08:00

2011-08-23T12:36:00.001-07:00

LA INSTITUCIÓN

Siguio tal cual...

EL SITIO

2011-08-23T12:29:00.000-07:00

México DF año 2009.

En este momento la educación artística al igual que la educación de todas las disciplinas, se encuentra en una crisis. Hay colas interminables de gente que hace lo que sea por ser parte de una escuela de renombre como la ENAP o la ESMERALDA, la cual no tardan más de 6 meses en abandonar o a la que finalmente no les interesa asistir. Según las experiencias que se expresaron en el último congreso de exalumnos de la Esmeralda. ( México, Centro Nacional de las Artes 2009)

En los pasillos de las escuelas de arte solo quedan los fantasmas de los que ahí produjeron y triunfaron desarrollando con éxito sus propias acciones..

Los nuevos asistentes quieren la inmediatez a la que están convenientemente acostumbrados y , si no funciona así, la verdad es que les da “GÜEVA (GÜEVA: es la negligencia, tedio o descuido en realizar acciones, movimientos o trabajo).

No hay una conciencia del proceso al que se están sometiendo, por lo general les disgusta la idea de dedicar el tiempo o dedicarse al tiempo. Ellos están acostumbrados a ver el tiempo pasar y si es con una conexión muy rápida mejor, como si estuvieran navegando por internet, su realidad su contexto y sus referentes son esos, no hay cabida para un supuesto retroceso, y el análisis no existe fuera de las reflexiones de las comunidades virtuales y las definiciones de taringa o wikipedia, por lo tanto quieren pertenecer a una escuela que cubra la función de un servidor y los proyecte inmediatamente al triunfo virtual. ¿Porque? No se ha generado, no se dan el tiempo para enterarse de que el triunfo solo es el resultado de mucho trabajo y eso, en el caso de que lo importante de una formación artística, fuera el triunfo.

Su concepto de triunfo es el de tener ocurrencias dejan su proceso al simple hecho de permitir que las ideas sucedan como niños, las cosas les vienen a la mente de repente y sin esperarlas. El llevarlas a cabo, es ya una realización pero el problema es la falta de atención al proceso,que queda relegado a otra acción inútil de “GÜEVA.”

En el caso de otras escuelas mas enfocadas al lucro, como en la

que yo trabajo, los asistentes ni siquiera tienen idea que existe el arte y mucho menos el triunfo, este como tal no lo contemplan. En este ambiente , lo que se busca es salir pronto para poder ganar dinero, sin poner mucha atención en lo que se está conociendo o en el sentido social , estético o ético, de una profesión visual. Mucho menos en la responsabilidad moral y cívica que se requiere para ejercer una profesión que a futuro influirá en la cultura visual o en la forma de visualizar de una comunidad.

Lo anterior porque las condiciones están dadas, puesto que no hay limitante alguna, los programas son cuestionables, los alumnos se pueden seducir, en este entorno no se tienen antecedentes que puedan acotar o desvirtuar el trabajo de una nueva propuesta. Lo que aunado a la procedencia de los alumnos los coloca como elementos diáfanos; vírgenes de pensamiento dentro de su área de estudio, para poder encaminarlos hacia donde ellos descubran que con total uso de razón quieran y puedan dirigir su conocimiento.

La cuestión es hacerlos capaces de vislumbrarse en posibilidad de actuar distinta a la que están acostumbrados. Ellos no persiguen la “fama”… Podría asegurar que no tienen idea de lo que persiguen..

Son irreflexivos ante sus necesidades, y las visualizan como es de esperarse en iconos de muy fácil acceso, consumibles y desechables. Su motor es una gran necesidad de salir de donde están, por que no quieren quedarse estancados y quieren “evolucionar”. Tristemente su formación no los ha colocado en la posibilidad de hacerse dueños de su propia experiencia ante el proceso de experimentar, pensar, crear y generar conocimientos a partir de cualquier tipo de vivencia, si dejaran de lado el status de memorización como reflejo de conocimiento y se entregaran a su propias expectativas ante el saber. Entonces el estatus del conocimiento se transformaría. La producción y lo que se hace con él, mutaría en soluciones diversas acorde a su comunidad, reflejarían una realidad que por cruda que sea es capaz de desmenuzarse en sus elementos esenciales, haciendo el acceso a ella más sencillo , por ende mas interesante

“Podíamos decir que la educación actual (no solo artística) se encuentra en un espacio crítico en el que por un lado, las nuevas generaciones han puesto en duda la validez de los saberes tradicionales transmitidos en los ámbitos universitarios y, por otro, una realidad apremiante, ha disminuido tanto la solidez de los saberes estables como las oportunidades de inserción en el campo profesional de los jóvenes egresados de las mas diversas carreras… el mundo contemporáneo se caracteriza por una inestabilidad y movilidad constantes, por la ausencias de definiciones universales. La peculiar pulsión por lo nuevo que nos caracteriza, a veces sin mucho sentido porque finalmente ¿que es lo nuevo?. Esto nos pone de frente a lo impredecible ,abriéndonos ya no una multiplicidad de posibilidades o elecciones, sino una infinitud e indefinición de conceptos y premisas permanentes, apriorísticos. Así pues , el reto es siempre que ello no implique necesariamente caer en un relativismo que aliente la premisa ética y estética.” 22 Jiménez, 2005:

Desde su propia trinchera se hacen conscientes de su aporte al mundo del lenguaje y el pensamiento visual.

Yo tengo alumnos que son hojalateros, soldadores, hijos de bodegueros de la Central de Abastos, grafiteros, chavos fresas, muchas niñas que lamentablemente sueñan con ser modelos para salir en la tele y en el TV Notas para obtener sus 15 minutos de FAMA (Tremenda realidad que sobrepasa mi entender). Otros que se tienen que levantar a las cuatro de la mañana para poder atravesar toda la ciudad, porque no tienen una escuela cerca del lugar donde viven. Algunos otros, han trabajado como CHALANES de serigrafista o en algunas cosas semejantes. No han visitado muchos museos, ni visitado muchas bibliotecas o galerías. Tampoco han visto tiendas de nada, ni tienen la costumbre de posar sus ojos en la gran cantidad de mensajes visuales que se les presentan todos los días en la vida cotidiana.

No acostumbran ver , mucho menos pensar.

Entonces, aunque parezca extraño, es en este ambiente dónde se tiene la posibilidad de generar y enfocar el pensamiento.

CHALAN: Persona que ayuda con labores sencillas en algún oficio (mecánico,albaĖil, plomero,pintor, etc)

Más allá de ser arte, más allá de ser diseño, es un solo momento en el que el intercambio de vivencias dará el sabor principal del día. Para dejar detrás la memoria de lo que nos han dicho y convertirlo en lo que nosotros mismos queremos hacer de él.

Grotowski decía: Educar a un actor no significa enseñarle algo, sino eliminar toda resistencia que el organismo opone a la liberación de la propia intimidad y, todo lo que obstaculice la transgresión del yo, necesario para el acto de comunión total que es el teatro. La técnica es una vía negativa, no apunta a desarrollar destrezas, sino a la eliminación de obstáculos. Más que aprender cosas nuevas el actor deberá liberarse de viejas costumbres.

El plato de hoy el punto cero en la exploración de estos participantes , que más que volverse hábiles técnicos de la imagen , se reencontrarán como comunicadores visuales, desde las artes y el diseño, desde el maestro y el alumno, desde la institución y el sujeto, en si desde el amor y el deseo a lo que se hace con el convencimiento que da la fe.

LA TEORÍA,PEDAGOGÍA SIN PEDAGOGOS...

2011-08-23T12:26:00.001-07:00

Porque toda metodología de enseñanza es pedagogía, sólo evitamos el termino por cuestiones de pseudo rebeldía posmoderna.

El enfrentamiento, prefiero que sea con la educación , es directo ya que soy una espectadora cotidiana del fenómeno. Todos los días convivo con él .

La educación para mi, es un objeto de contemplación y de análisis, el cual puede ser proyectado hacia el espacio, dándole un tiempo y un material, mi trabajo como escultora es lo que me ha enseñado.

No es una especialidad académica, en si misma ,pero si un pretexto de investigación, porque es una forma de vida.

Yo como artista elijo este fenómeno para investigarlo y desarrollarlo como idea que se objetivará en distintos resultados, Gráficos, Teóricos, Objetuales.

¿CUANDO?¿PORQUE? ¿A QUIEN EDUCAMOS?

EDUCACIÓN ARTÍSTICA MULTICULTURAL.

Nos encontramos situados en el principio de un nuevo siglo, inmersos no solo en crisis económicas si no también culturales, abarcando todas las áreas del conocimiento humano. Como ya se ha planteado, nos dicen que estamos en la posmodernidad, aunque a veces esta misma afirmación se ponga en duda.

Si, somos un país del tercer mundo, y ese es un indicio de posmodernidad. Tenemos acceso al conocimiento de antaño y al más nuevo. Este es otro indicio. Tenemos la capacidad de rediseñar las teorías de educación estos son indicios también, y enfocándonos en la problemática especifica de esta investigación, que es la educación diseñistica impartida por artistas, nos vemos inmersos en problemáticas que creo pertenecen puramente al siglo XlX. Esto es otro indicio, el conocimiento comienza a reconstruirse desde sus cimientos y develara materiales, espacios, y vestigios que sobrevivieron al paso del mismo.

la escuela de arte. HOY.

2011-08-23T11:59:00.000-07:00

La escuela institución pública o privada, en la que se fundamenta la enseñanza de principios de una sociedad establecida como tal, aunque no siempre genere el hábito de investigación, búsqueda

y o conocimiento , porque la escuela te da lo que esta establecido en sus planes y programas; no lo que tu necesitas para tu propio desarrollo. En algunos casos te conviertes, gracias a tu número de matrícula, en testigo de todo lo que no quieres y eso podría ser un buen punto de partida para incluir la seducción en

el proceso del aprendizaje.

La escuela no deja de ser ese elefante blanco del que cada quien cuenta su propia verdad, sin tratar de explicar el porque de su ceguera ante la totalidad del problema. El término escuela, proviene de la etimología del idioma griego, pasando por el latín; en latín se dice schola, el étimo griego es la

palabra: SKOLE. Paradójicamente, en su etimología griega, el significado era el del momento de recreo, incluso de diversión, habiendo sucedido luego un deslizamiento de significado tal como se nota en

la mayoría de los idiomas indoeuropeos modernos; el significado actual más frecuente es el de un «establecimiento público» en donde se dan enseñanzas.

La escuela abre las puertas al medio que ambicionas alcanzar en el futuro. Te pone frente a personas con tus mismos intereses y en rangos de edad casi siempre estandarizados. En pocas palabras te presenta a tus futuros compañeros de trabajo, aguerridos oponentes y a los socios del futuro.

Camaradería eterna y amores seductores, admiración de profesionales y porque no decirlo, genera una visión previa y minimizada del caos que reina fuera de sus muros. Esta institución genera redes, conocimiento y pequeños microcosmos dentro del gran universo de la profesión que elegiste.

La escuela te muestra en un lapso de tres a cinco años una visón de lo que se ha hecho en la rama en la que te especializas. Aun así, no es una maquina que te prepara para generar ideas ; se vuelve un medio informativo y genera una base de conocimiento antiguo , repetible pero cuestionable, siempre cuestionable.

Las fórmulas establecidas funcionan a la escuela como el espejismo; se disfraza la estandarización de individuos de programas, alto rendimiento, competencias o incompetencias en algunos casos, desde ahí es desde donde se vuelve un ente cuestionable, porque con base en la repetición de patrones, y la estandarización de personas no se obtiene conocimiento; solo se saturan las memorias. Este pseudo conocimiento que se ofrece en las escuelas no es adaptable, ni flexible. Está sujeto a calificaciones y evaluaciones que, en el mejor de los casos son reflejo de la habilidad para copiar, para hacer un buen acordeón o simplemente habilitar los mejores argumentos para

matar una y otra vez a la abuelita.

Si las respuestas no están en las fórmulas, entonces ¿dónde se encuentran? Me parece interesante la posibilidad de que cada individuo tenga la opción de generar su propio conocimiento acondicionado a sus propias necesidades. Hablo de ser un ente responsable de lo que quiere aprender y de lo que se necesita para explorar y explotar el propio potencial productivo como un profesional de lo que se ha decidido hacer. Este potencial se convierte entonces en un preciado bien para cada uno de los asistentes al aula y, esta se transforma en un receptáculo de vivencias e intereses listos para ser alterados, intercambiados y apropiados .

La escuela entonces funcionaría como un detonador de ideas nuevas y no convertiría al alumno en una grabadora que solo repite las teorías sin apropiarse de ellas. Las teorías se pueden aprender solo de leerlas en los enormes libros que las contienen; pero para entenderlas , hay que vivirlas . Un humano que solo retiene teorías no esta utilizando más que un recurso básico de memorización de datos comparable con el almacenaje de un archivo muerto, o sea que retiene información pero no hace nada con ella.

Cuando la educación se vuelca hacia la vivencia y el aprender es responsabilidad propia , la escuela se convierte en una olla de vaporosas ideas que flotan en el ambiente y seducen a los asistentes invirtiendo el proceso cotidiano tedioso aprender. Revirtiendo el proceso y permitiendo al estudiante que desmenuce su saber para que mas tarde son confronte con él, y logré hacerlo suyo.

Es necesario enfrentar a distintas personas con distintas teorías y ponerlas frente a los estudiantes , para que después, ellos puedan plantarse frente a las teorías y desafiarlas para poder acercarse a su propio entendimiento de los problemas que el saber les da. Quizá este sea un proceso mas lento, pero esa misma lentitud es la que lo hace ser más contundente ante el consumidor o aprendiz que se acerca a él.

Cuando un individuo adquiere conocimiento, es porque logró enfrentarse al problema y adoptarlo como un quehacer que casi seguramente le generará mas conocimiento. Ahora, este individuo es capaz de aplicar lo que aprendió; transformarlo e intervenirlo con sus propias necesidades.

El conocimiento no es un ente inmóvil , ni estático , su máximo esplendor se alcanza cuando evoluciona por la intervención del hombre, este se apropia entonces de los objetos, teorías y fórmulas y los convierte en conceptos propios. En este caso específico los diseñadores serán capaces de diseñar su conocimiento.

EN LA EDUCACIÓN POSMODERNA

La teoría sobre la sociedad posmoderna se describe en el libro “La educación en el arte posmoderno “de Arthur Efland, como un nudo de varias cuerdas distintas que sugiere una pluralidad de progresiones y disgresiones que podrían entretejerse.

La posmodernidad dirige la mirada de todas sus disciplinas al estudio de pequeños grupos representativos“minorías” (individualismo y multiculturalismo)que son reflejo de los rincones no alcanzados por la globalización; la sociedad sabe que debe ser unificada y por esto destaca la individualidad o singularidad de estos grupos , esta

singularidad se da en grupos de genero, de raza , de ideología , etc. La posmodernidad busca entonces rescatar estas particularidades y convertirlas en valores universales globales y válidos para toda la humanidad, por no decir vendibles y consumibles por toda la raza humana.

El pequeño ángulo que llama mi atención de todo esto se encuentra en esta búsqueda de escenarios poco recurrentes y no tanto en la explotación o imposición de valores culturales.

Una mujer gorda y prieta no seria visión tan bizarra, si no se tiñera de rubio o pelirrojo, aunque a ella le resulte sumamente atractiva e irresistible la idea de imitar a una princesa vikinga.

Con el feminismo y los grupos activos de lucha social se busca la igualdad y resulta otra vez en una estandarización del individuo y una validación de sus principios. Este individuo posmoderno busca en la igualdad satisfacer sus necesidades de pertenencia y el sistema cubre su necesidad de democracia.

Muchas veces el artista, enseñante y observador social, ejerce su derecho a la crítica de este sistema . Y en otras tantas, el diseñador , por su propia naturaleza funcional y colectiva, en busca de satisfacer a esta sociedad lo promueve. No quiero decir que todos los artistas o todos los diseñadores entren en estas categorías, porque la estandarización no es el objetivo de esta investigación, pero si es un hecho que el arte trabaja para individuos y el diseño trabaja para la colectividad o como coloquialmente se dice, para las masas. Estas masas son consumidoras masivas e irracionales, productoras de cultura si, pero siempre de la mano del guía; limitante que logra que no se desborde y siempre se conserve convenientemente dentro de los límites establecidos. Lo que se conoce como melting pot.

La teoría posmoderna ubica al todo como la suma de sus partes, vinculándolo con la interdisicplina y la ya mencionada mezcolanza de valores, para replantear los mismos en concreto para una sociedad completa, en un mundo en donde todos tienen cabida siempre y cuando coman en Mc Donals.

En general el arte posmoderno al igual que todas las disciplinas posmodernas, es auto consciente, conceptualmente complejo y requiere de su público una buena dosis de tolerancia el sentido de la contradicción ; irónico, ambiguo y engañoso lo lanza hacía el universo de la doble codificación, o la contraposición de cuestiones inversas y complementarias. Jenks (cosmogénesis como de un proceso en continuo despliegue, un proceso emergente que va alcanzando siempre nuevos niveles de auto-organización) entiende la doble codificación como la principal

característica que distingue a los objetos posmodernos de los modernos. Esta doble codificación consiste en la característica de los objetos posmodernos de incorporar elementos que son ajenos a la posmodernidad de lo que nace el eclecticismo (collage) En cuanto a la educación posmoderna en el arte, la doble codificación se encamina al proceso de deconstrucción (Básicamente, la deconstrucción consiste en mostrar cómo se han ido construyendo conceptos a

partir de procesos históricos y acumulaciones metafóricas, mostrando que lo claro y evidente dista de serlo.)

La «deconstrucción» consiste en tomar una idea, una institución o un valor y comprender sus mecanismos quitando el cemento que la constituye. Más allá de esta expresión, que puede intrigar o provocar miedo para la deconstrucción, el conocimiento es un proceso inacabado.

Cuando se da un vistazo en las teorías de educación posmoderna los rígidos limites entre disciplinas se desvanecen dejando entrever a las unas por encima de las otras , poniendo en tela de juicio los planteamientos establecidos así como los recursos multimedia y la interdisicplina. Es el punto donde una “cosa” se convierte en “escultura” y esta, a su vez, en un “objeto” y, este en un “acontecimiento irrepetible”; que quizá sea arte. Lo que es cierto es que es una valiosa experiencia de vida que regenera los ya mencionados valores del individuo.

La deconstrucción del conocimiento genera que este se vuelva a consumir. Y resurja con una interpretación adaptada a la miopía del estudioso , poniéndolo de frente no con la verdad absoluta sino con su propia verdad.

Ante estos planteamientos surgen varios cuestionamientos que sería importante entender para encontrar

donde estaría la luz en la educación posmoderna de las disciplinas artísticas.

Las relaciones poder/saber se llevan a cabo debido a que los portadores del poder suelen determinar qué es lo merece ser enseñado y qué no, ignorando los intereses de aquellos grupos carentes de poder.

¿QUÉ DEBE DE SER ENSEÑADO Y POR QUÉ?

¿QUÉ TIPO DE CONOCIMIENTO DEBE DE SER PRIVILEGIADO Y CUÁL OCULTADO?

Más allá de pensar en enseñar las especificaciones del conocimiento al que se quiere acceder, en un nivel universitario, debe ser importante la capacidad de un alumno de encontrar problemas , para proponer soluciones propias que hablen de sus circunstancias como individuo perteneciente a un grupo especifico y a una colectividad global. La escuela que se mantiene enseñando recetas , fórmulas o técnicas , sigue limitando el potencial de explotación del conocimiento individual, colectivo y universal.

El conocimiento no existe para ser ni privilegiado ni ocultado, debe ser requerido por sujetos responsables de decidir cuales serían sus aplicaciones y, la importancia que se le otorga a cada acción a si como sus consecuencias, para proyectarlo en un devenir futuro.

¿COMO Y QUIEN DEBERÍA DECIDIR LAS NECESIDADES DE CUALQUIER CAMPO DEL

CONOCIMIENTO?

En un universo ideal , el conocimiento debería estar disponible en su totalidad, pero en este universo las cosas deberían funcionar de manera que los profesionales que ejercen ese conocimiento especifico, con base en su experiencia y su quehacer dirigirían las búsquedas de los alumnos, sin imponer sus propias necesidades, claro que esto se vuelve difícil, porque los profesionales por lo general se encierran en su propio interés sin permitir el acceso a nuevas cuestiones que los pongan en jaque a ellos mismos.

¿CÓMO SE TRASLADAN ESTAS DECISIONES A LA ENSEÑANZA?

El educador ha de concebir cualquier actividad educativa como un sistema de creación de conocimiento , en concreto, de conocimiento crítico El educador ha de entender su papel como de agitador político

El principal objetivo de los procesos educativos es alcanzar la justicia social Estos principios obligarían al profesor posmoderno a repensar su trabajo e intentar hacer un currículo mas representativo y, por lo tanto, mas democrático

LA ESCUELA DE ARTE POSMODERNA(EAP)

Propone los siguiente principios para partir hacia la

deconstrucción del conocimiento colectivo.

El objetivo principal de la EAP es que los estudiantes lleguen a deconstruir los mundos visuales posmodernos que les rodean para poder desarrollar un tipo de pensamiento propio.

Contenido: La EAP recomienda la incorporación de los pequeños relatos, de los tipos de textos visuales que luchan contra las estructuras asimétricas de poder: arte contemporáneo, arte feminista, contrapublicidad, arte local, etc.

La EAP recomienda la incorporación de los metarrelatos con la intención de poner de manifiesto el vínculo podersaber que estos textos incluyen.

El proceso más adecuado para realizar las actividades anteriores es el análisis por deconstrucción.

Dentro de esta postura, se recalca el papel de la mezcla, del pastiche y del collage como particularidad que los estudiantes han de identificar como característica de lo posmoderno.

Currículum: El proceso de aprendizaje se hace entendiendo el propio currículum como una micronarrativa, por lo que se distribuye el poder en el aula y se desarrollan procesos opuestos a la pedagogía tóxica.

La EAP, como todas las teorías progresistas de la educación artística, no se preocupa tanto por el resultado como por el proceso, por lo que hace mayor hincapié en la evaluación del aprendizaje que en la evaluación del rendimiento.

Contexto: La EAP pretende reconocer lo local como el contexto de trabajo fundamental, siempre dentro de lo global,

que es el contexto posmoderno por excelencia. Reivindicar el arte de nuestra comunidad, de los artistas que se encuentran cercanos, de los colectivos que tenemos enfrente es una forma de luchar contra las asimetrías del mundo profesional de artes visuales.

El artista enseñante.

2011-08-23T11:54:00.000-07:00

Hablar de la educación artística, desde que estudié en la Escuela Nacional de Artes
Plásticas (ENAP), me había resultado interesante y creía que por haber estudiado artes,
tenía la capacidad y el derechos para ejercer mi crítica.
Claro que hablaba desde mi propia trinchera, protegida por el anonimato que mi calidad
de estudiante me brindaba.
Elegí artes visuales, sin saber exactamente cual era la labor del artista. Cuatro años
más tarde; más tres de “hacerse rosca” y oscilar entre las borracheras, las chambas, los
amores, malvender mi pensamiento y cambiarlo por monedas, todo dentro de este mismo
proceso. Comienzo a concebir cual es mi trabajo como artista .
Después, al enfrentarme a este mismo proceso de crítica desde un punto de vista profesional,
ya que hace 15 años que entré a la ENAP, y 10 en que salí de ella; en estos años
me he enfrentado al quehacer artístico y laboral, en el sentido de ganarme la vida a través
de lo que aprendí en la escuela para ser artista visual, me he dado cuenta del tiempo
que he invertido en este proceso.
Obvió que, por la naturaleza y temporalización de mi profesión, gran parte de estos 10
años los he dedicado a la contemplación y a la autocontemplación. Todavía no entiendo
por que los artistas tenemos chance de hacer esto y en otras profesiones no , pero
así es.
Mirando el reloj correr hacia la izquierda y no por preferencias políticas, sino por contemplar
y deconstruir este proceso para entenderlo, me percato de que la mitad de mi
vida la he pasado dentro de alguna institución educativa. En algunos momentos recibiendo
educación y, en algunos otros, aprendiendo a generar mi propio conocimiento.
Ahora soy maestra y me toca estar en otro punto de la problemática; ya no estoy del lado
en el que solo me correspondía quejarme; ahora estoy del lado en el que ya se pueden
hacer cosas, para cambiar cosas que, según yo, desde que solo estudiaba y me quejaba,
estaban mal.
De hecho, ya no creo que estén mal; ahora lo veo como una gran posibilidad de transformación,
algunas cosas se retoman y se transforman a partir de la intervención del
artista, donde aplica todo un sistema complejo de vivencias, a partir de su interpretación
de algún fenómeno, para objetivarlo potencialmente en una obra que como en este caso
se desarrolla día a día y es el resultado de la observación cotidiana. Creo sinceramente
que será complejo llevar esta obra a un final establecido. ¿Pero que obra no lo es?

2011-08-23T11:51:00.001-07:00

Las cosas y sus nombres, no se entienden a partir de la mera idea que tenemos de ellas, aunque esta misma idea sea lo que más nos acerca a conocerlas. Un recuerdo es todo lo que tenemos de ellas.
(Una cosa es algo que puede ser objeto del pensamiento o acción.)
Las cosas se conocen a partir de una convivencia cercana con ellas.
El hacer cosas se vuelve obsoleto cuando todo ya esta echo.
Hay que dejar de hacer y cuestionar, contemplar y entender.
(Hacer: Dar realidad o existencia a algo)
Vivir en las cosas, actuar a partir de ellas, sean ciudad, sean actitud o acción, creación o destrucción, lo que quiere el artista, es reconocerse en las cosas como, su contraparte ausente.
La no cosa, lo que observa, lo que contempla, lo que no se ve, lo que no se piensa.
Este es un intercambio lúdico en el que los espectadores la obra y el artista convergen en un encuentro casual para intercambiar conocimiento y vivencias. Un dialogo infinito que no se concluye hasta que alguno de los tres elementos deja de existir.
Monica perez
abril 2010

Monica Perez Quintero (Muñequita de ciudad)

2011-08-23T11:48:00.000-07:00

Radica en la ciudad de México desde el año 1974. Ha realizado cerca de 50 exposiciones colectivas y dos individuales después de 15 años de investigación escultórica, gráfica, plástica, conceptual, artística, y humana. Su búsqueda se ha desarrollado a partir de jugar el juego del arte, aunado a las posibilidades plásticas que surgen a diario de la enseñanza.

2009-09-01T11:06:00.000-07:00

Pequeñas cosas

2009-09-01T10:26:00.000-07:00

Y cuantas veces
recuerdo que jugaba;
tener el mundo en mis manos….
Supongo que no soy la única que jugaba a eso…

Escarbando en esos recuerdos me encuentro hoy, como una escultora que al diario se planta en el mundo , vivo en él , existo en él, y ocupo espacio en él .
Quiero generar obras que me den la oportunidad de tener el mundo en mis manos presentar mi experiencia
con un material recurrente en mi trabajo, como lo es la madera. Usando mis manos como pedestal; no para negarles el papel de hacedoras pero si para revalorarlas como la medida exacta de todas las cosas.
El amor, el odio, la felicidad, y la tristeza; el blanco y el negro, vida y muerte deberían caber en mis manos.
Mis manos han desbastado, tallado y lijado troncos; y es por ello que en este momento decido hacer obra que se pueda contener en ellas para volverse monumentales.
Hablar de monumentalidad no refiere a los grandes espacios ; o a las grandes cantidades de materia … , sino a las grandes impresiones de vida.

"Me gustan las cosas pequeñas porque soy un miope recalcitrante" Luis Piedrahita

Como humanos fieles caníbales del instinto nos enfrentamos al material y al espacio que lo circunda esto se convierte en una experiencia de vida que queda capturada en un pequeño trozo de materia viva, esta contiene toda la historia de su momento al igual que yo. La madera al igual que yo vamos dejando huellas, nos retamos la una a la otra.
Quiero enfatizar este flirteo y guardarlo en mis manos. Exhibirlo como podrían exhibirse la fotos de un álbum familiar, y así convertir mis manos en la medida de todas las cosas. Notar al objeto maderoso , su redondez, su corteza, sus vetas y aromas. Su escasees y su presencia como habitantes que dan vida; cosas que en verdad podemos poseer y que son tan pequeñas que no serían capaces por tamaño de salir de la palma de una mano.
Dicen que el corazón cabe en las palmas del dueño del mismo ; es en ese sentido en donde las cosas no se miden por su tamaño, sino por su escala esencial . son joyas genuinas que pasamos por alto .

Pequeñas cosas son las que se guardan en la memoria,
Pequeñas cosas cosa son las se guardan en una cajita
Pequeñas cosas son todas las que me hacen disfrutarlo!!!
Pequeñas cosas queme unen a este material.
(Platero también era pequeño)

Estas requieren que estemos cerca abriendo y cerrando los ojos , obligándonos a fijar nuestra atención en lo que se suscita a su alrededor. Exigiendo de nosotros enfocar nuestra propia naturaleza. Ser y convertirse en un miope de vida.
10 Pequeñas cosas , trabajar 10 conceptos en 10 pequeños trozos de madera que se vuelvan únicos por las diferentes aristas que en la misma naturaleza del material se puedan resaltar. Trabajar con madera revalorando su importancia social, comercial, ecológica, temporal; hablar de ella de igual a igual . de cosa viva a cosa viva…
Diez piezas en diez pares de manos

El plato de hoy: La figura humana como detonador de procesos visuales

2009-03-28T16:59:00.000-07:00

Duración 40 horas

Digamos que organizo una comida en mi casa, e invito a varios de mis amigos a degustar una buena comida que yo preparé y que quiero compartir con ellos . Cada uno de mis amigos se dedica a cosas muy distintas en el ámbito del arte. Y yo, los invito porque sé que siempre resulta algo interesante verlos juntos, el intercambio de experiencias es inevitable y de ahí es de donde surge las idea de este proyecto.
Cuando alguien te invita a su casa, es porque hay algo que te interesa de esa persona, aparte del gusto de verse, de menos tienen intereses en común por eso son amigos; se desencadenan platicas en las que todos los invitados aportan su propia visión sobre algún tema que se este tratando, de este tipo de discusiones muchas veces surgen detonadores que para cualquiera de los asistentes resultan enriquecedores; porque hay intercambio de conocimiento de intereses y de opiniones . El ambiente se torna en una búsqueda por compartir lo que cada uno de los participantes hace, piensa, busca, experimenta y que aparte quiere compartir con los demás como dicen por ahí , cada quien pone su granito de arena para formar una gran playa. Al menos hablo desde la plataforma en la que yo me desenvuelvo .
Como artista visual dedicada a la docencia me he percatado de que la imposibilidad por parte de los alumnos para enfrentarse a problemáticas especificas de su trabajo, radica principalmente en el desconocimiento de los mismos procesos que concluyen con la realización de un trabajo. Claro que a veces hasta a los profesionales se nos olvida que el compartir se vuelve un factor muy importante en la realización de nuestro trabajo diario, y claro que pensamos en muchas opciones para involucrarnos nosotros mismos con los problemas de nuestra labor sin tomar el tiempo para dar y compartir; información, afecto conocimiento, amarguras y frustraciones u lo que sea que tengamos en nuestro haber para enriquecer nuestro propio bagaje. Claro que en el caso de los profesionales hay factores que también intervienen en que este proceso pierda importancia; la resistencia al cambio, el orgullo, los patrones establecidos , la pertenencia a una escuela , academia o grupo etc. Estos factores nos han ido marcando desde nuestra formación y nos concentramos en ver los toros desde la barrera, y capotearlas como dios nos dé a entender.
Este desconocimiento u olvido nos hace pensar que somos únicos y que el mundo no existiría sin nuestra gran aportación, porque pensamos que el publico no esta preparado para todo lo que yo tengo que heredarles. También este es un problema propio de nuestra formación. Y pareciera que a nadie le interesó lo que yo estaba aprendiendo en la escuela. Y yo pues tampoco sabia muy bien a ciencia cierta que es lo que hacia parándome a las 6 de la mañana todos los días para ir a un mismo lugar a escuchar a un mismo sujeto decir cosas que por mi propia ignorancia no entendía y haciendo las cosas que me decían que tenia que hacer. Así podría seguir y seguir atando cabos hasta llegar al momento en el que me encuentro hoy ; formando profesionales visuales del área del diseño
La formación de un profesional del trabajo visual y lo llamo así por que no importa la disciplina a la elijas dedicarte, las problemáticas se comparten sea de la disciplina que sea, requiere de varios puntos básicos; como son la responsabilidad ante mi trabajo, el compromiso con la idea que tengo para desarrollar mi trabajo, una gran capacidad de observación, capacidad de traducir y transformar lenguajes complejos y con distintas especificaciones de codificación así como una sensibilización de los sujetos y su adaptación al uso de la razón que dios les dio y también por que no decirlo en el manejo de técnicas especificas que nos ayudan a objetivar todo lo anterior.
Un pretexto muy recurrente en el trabajo plástico es la referencia más inmediata que tenemos osea el propio hombre y en cuanto a la técnica pues la que tiene relación con todas las disciplinas es el dibujo. Partir de estos dos elementos para generar u intercambio de conocimiento y no una serie de cátedras que como ya lo mencioné muchas ves resulta incomprensible por la distancia entre alumno y maestro.
Quiero invitarlos a compartir bajo la siguiente propuesta:
El objetivo de esta investigación es proponer un taller bajo la premisa del dibujo, ya que es un eje de unión de entre todas estas disciplinas visuales, desencadenar el intercambio de experiencias y enriquecer a los participantes. El medio puede ser el que el expositor considere necesario para poder evidenciar problemáticas especificas de sus diferentes campos laborales . Más allá el interés primordial es el compartir conocimientos en un espacio y un tiempo específicos para poder traducir toda esta información en un evento de investigación artística y visual , en el que tanto invitados como anfitriones puedan generar conocimiento a partir de sus propias vivencia y el intercambio que de este evento surja.
Distintos artistas invitados de distintas disciplinas colaboran desde la esfera de trabajo personal , para aportar una amplia plataforma de salida para estudiantes de la carrera de diseño grafico abriendo para ellos un abanico de posibilidades plásticas, conceptuales, formales, técnicas y visuales para desarrollar su propia propuesta de trabajo.
El artista o invitados propone un tema con base en una problemática que a él le funcione como investigación que parte de la figura humana como pretexto para abordar distintas problemáticas y procesos de acercamiento al trabajo visual .
Los alumnos o anfitriones funcionan como receptores del trabajo artístico, plástico y visual; partiendo de ese punto hacen conciente su percepción de los procesos causas y resultados de su trabajo visual.
El abanico se abre cuando dentro de una institución educativa, se permite la ruptura de la estructura habitual entre maestro y alumno. Y se busca un intercambio que va mas allá de los títulos que cualquiera de los participantes tenga. Una clase se convierte en un laboratorio en donde se mezclan experiencias, lenguajes para obtener resultados valorados por cada uno de los asistentes
En este caso es importante resaltar que tanto los invitados como los anfitriones se presentan por voluntad propia y buscando algún punto de investigación personal partiendo del pretexto de la figura humana y el dibujo y lo resalto porque si en alguno de los dos extremos de este hilo carece de ese interés , el compartir se verá frustrado y seria como asistir a una comida corrida de a 30 varitos. Otra comida como la de todos los días sin mas chiste que el cumplir con una función orgánica.
Es fructuoso pensar en las disciplinas visuales como un intercambio de lenguajes en común; pero con especificaciones diferentes lo cual engrandece el discurso de todos los participantes . generando lazos que pueden compartir una misma preocupación en este caso la figura humana y las diferentes formas en que se puede abordar por distintos tratamientos , técnicas , concepciones , sentires, pasiones ,amores , desamores, intereses, odios, aficiones y conclusiones.

monix

2008-07-14T22:11:00.000-07:00

Mónica Pérez Quintero (monix)
Formación profesional
1995 – 2007
Academia de San Carlos UNAM
Maestría en Artes visuales especialidad en escultura.
Proyecto de investigación sobre la educación de las artes en adolescentes de 12 a 18 años.
Licenciatura en artes visuales Escuela Nacional de Artes Plásticas UNAM
Titulación 12 de septiembre del 2003 con la investigación “El juego como propuesta escultórica”
Taller de escultura con el maestro Hersua.
Exposiciones colectivas
Así habla la madera, Galería Luís Nishizawa . ENAP UNAM 1998 México Bienal de escultura Olga Costa Museo del virreinato, Monterrey, Nuevo león 1998 Transformaciones Casa de la cultura, Morelia Zamora y Uruapan Mich. 1998
Intervenciones conceptuales en la materia Casa Borda Taxco Guerrero 1999 Símbolos de la materia, Centro cultural Hollín Yoliztli, México1999 Nace crece y permanece Viveros de Coyoacan México 2000 enapos salón I0I exposición itinerante Cinco planteles del colegio de ciencias y humanidades UNAM 2001- 2002 México Y dicen que somos... Galería del sótano de Coyoacan ,México 2001 Cumbre Tajin Tajin veracruz , 2001 3 generaciones Museo Adolfo López Mateos , Atizapan de Zaragoza. Edo .Mèx. 2003 Absolut Hersua , Galería de Andrés Siegel, México 2003 http://www.youtube.com/watch?v=GkSy_WG6mgo Somos las mujeres Museo de la ciudad de México, México, 2003 Pensamientos en madera. Itinerante. Concurso Arte Exposición itinerante, concurso artes por todas partes. México 2003 1 er concurso de arte en vidrio (participación) Casa de la cultura Monterrey 2004Conferencia internacional de mujeres en el arte buenos aires, argentina 2004 Año internacional de la física Palacio de minería México 2005 Corazón alegre Casa de la cultura Enrique Ramírez México 2005 Generación VI, Academia de san Carlos, UNAM . 2006 Casa de cultura de Atizapan de Zaragoza y casa de cultura Azcapozalco. 2007 centro cultural 2008Escultura lúdica Individual Casa de la cultura real del monte hidalgo 2000
PREMIOS, BECAS Y RECONOCIMIENTOS
Selección de obra 1a Bienal de escultura y pintura OLGA COSTAPremio "Artes por todas Partes"Conferencia internacional de mujeres, Buenos Aires Argentina exposición permanente "Nace crece y permanece" Viveros de coyoacan Selección de obra "Año internacional de la física"
REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
Rodríguez Ramírez Alfredo, Mónica Pérez , la materialización del espíritu. en Novedades, Miércoles 14 de agosto 1996.pag c6
Tibol, Raquel, La primera bienal Olga Costa de pintura y escultura, en proceso #1131, 5 de junio de 1998 pag 61
Paredes Arroyo Bribiesca, Nace crece y permanece, Arte en madera, vivero de Coyoacan, Dirección general del programa nacional de reforestación, de la SEMARNAT, México 2000.
Carrillo Cuevas, Magdalena, Presentan hoy la exposición de artes visuales "Enapos salón 101, Gaceta UNAM, 26 de febrero 2001
Castro Yan, Maria ,Exposición tres generaciones de escultoras mexicanas, www.mujerarte.com.mx, 9 de enero 2003
Perez Quintero, Monica, El juego como idea escultórica una propuesta teórico practica, escuela Nacional de Artes Plásticas UNAM, Tesis de licenciatura, 2003
Palapa Quijas,Fabiola, Exhiben colectiva de artistas mexicanas que participarán en la conferencia de Buenos Aires, en la jornada , 2 de abril 2004, pag5

2008-05-09T11:35:00.001-07:00

Una inquietud

2008-04-14T09:32:00.000-07:00

Una inquietud, la juventud eterna …
Una paradoja , la belleza contra la inutilidad; detener me resulta insultante. Escucho hablar de embellecimiento; no entiendo como funciona, algo banal intuyo en esta maraña.

Si te rompes un hueso, ya no sirves eres considerado inútil. El estar cubierto de yeso inutiliza y embellece cualquier cosa (parece que lo inútil es bello) burlar el tiempo la vuelve inmortal; macabra idea esta…
Bajo la tirantez del yeso soldan huesos, los espacios se cierran, la actividad se incrementa; hacia afuera la funcionalidad no existe, el peso se incrementa. Evidenciar espacios poco resaltados se convierte en la propiedad de la materia, estos siempre presentes aparecen tras la inutilización. ¿Es esta la opción del objeto? Evidencia de espacio; no me importa copiar las cosas, lo que quiero es inutilizarlas.

Recobrando la costumbre de las novias al de vestir de blanco y como mero pretexto, escogeré una cosa vieja, una cosa nueva, una cosa regalada, otra cosa prestada y una cosa azul, dos paredes que resguarden la pureza y la inmovilidad de las cosas mas no de los espacios. Una liga, el toque erótico que no puede faltar. Por ultimo vestigios de mi propia inmovilidad.

No podría suceder todo esto sin la experiencia propia del ser inutilizada, siempre he creído que el trabajo artístico es el resultado de las vivencias propias.

Estos elemento pueden presentarse bajo el mismo cielo de mi ciudad, si hay quinceañeras en el zócalo ¿porque no pueden haber espacios resaltados por el yeso en la ciudad? Solo necesito dos paredes que se presten a ser enyesadas para posteriormente ser desprendidas de esta costra en la que quedará el registro preciso del espacio presente. Después serán colocados bajo techo pero siempre llevando su propio espacio generado por sus propias paredes.

El yeso, frágil y sutil, elemento imponente aunque siempre desplazado. Juega como elemento de reserva, copia fiel del original aunque este siempre pesa mas. Yeso no pierdes tu fidelidad con la realidad; habla de ella como si fuera tu propia esencia la que resaltas. Resbala por su borde y fija con ello el tiempo. Blanco en muros, dentríficos y labiales, permites al tiempo sanar y resanas las cosas rotas como si de eso de pendiera tu propia existencia. Eres como los gusanos haces lo que tienes que hacer, sin pensar en el mas allá . sin pensar en lo grotesco de tu misión. Obvio eres solo un material inerte, no sientes.

Resana ahora los espacios vanos, cubrelos; hazlos vivir en el embrujo de la juventud eterna.

La cosa, parece a lo lejos sustancia; siempre la he utilizado nunca le he puesto atención intento rodearme de ellas mas nunca logro hablar de ... No me significan. no hay relación conmigo? Soy hacedora de cosas que no entiendo, cosas que en sí mismas no tienen un porque existir, cosas inútiles, nadie las necesita , solo yo.

Solo yo , la que ahora queda inutilizada por la existencia misma, conciente de sus limitaciones, su belleza y su incapacidad de quedar inoperante ante cualquier provocación. Y ahora yo y mi inutilidad , yo y mis heridas, yo y mi espacios, mis miedos, mi falta de pasión. seremos evidenciados en este proyecto junto con las cosas que día a día me acompañan a hacer lo que sigo sin entender.

Una cosa nueva, mía .
Una cosa vieja, tengo varias en mente.
Una cosa regalada, el obsequio vendrá.
Una cosa prestada, que regresará a su dueño.
Una cosa azul, que terminará siendo blanca.
Una liga siempre estrecha los espacios.
Mi acción suspendida, expiación para comprender mi propio quehacer.
Dos paredes…

yeso y 1/2 kilo de jitomates

2008-02-01T11:01:00.000-08:00

Sí se cubriera la cosa con Yeso
y si el yeso cubriera al yeso
si el yeso tuviera forma de cosa; de esto o de aquello .
si el yeso no se llamará yeso, dejaría de tener tan sutil textura.

cosas cosas y mas cosas

2008-02-01T10:22:00.000-08:00

Quiero creer que entiendo lo que es una escultura, para dejar de ser escultora.
Quiero hablar del juego que me toco jugar en mi propia vida; aterrizarla en materia . convertir lo incorpóreo en cosas.
Quiero ver de que lado masca la iguana y la muy desgraciada siempre mastica dándome la espalda.
Quiero buscar la pureza de espíritu trastocando materia y fronteras de espacio, para decir que lo que me interesa es el material, no la escultura . AMO las cosas como son; me encanta que así sean, me fascina su perfección, su naturaleza. En sí, su propia vida.

Espacios bidimensionales:

2007-08-26T10:46:00.000-07:00

Interdisciplinariedad entre la escultura y la pintura contemporáneas.

Esta es una propuesta Plástica que surge de mi necesidad como escultora, para acercarme y confrontar al soporte pictórico y su explotación plástica, estética y conceptual. Sabemos de la existencia de la escultopintura; pero ésta es una propuesta en la que el espacio se hace presente fuera del bastidor o soporte de la obra pictórica. El análisis a fondo sobre las características de los mismos, deja al bastidor relegado a solo cumplir con una función y no se resignifica como un elemento más presentes en toda obra bidimensional.La misma espacialidad que posee cualquier objeto en este caso específico el soporte, puede convertirse en el contenedor de planteamientos escultóricos, encaminados a la búsqueda de una trama donde se enlacen las artes “clásicas” con la interdisciplinariedad y la globalización del mundo actual.En algún momento la escultura perdió su pedestal; se vio obligada a resignificarlo. En el caso de la pintura; este pedestal (soporte) no ha sido valorado, ni revalorado para poderlo perder. No me refiero a que los bastidores desaparezcan y que la pintura flote en el espacio, me refiero a lo siguiente: al resignificar un elemento se transforma desde su estructura, se convierte en otra cosa que no es más lo que hasta el momento había sido.
Sabemos también que todos los objetos ocupan un lugar en el espacio, quedando en manos del artista la decisión de modificarlo, aprovecharlo, enmarcarlo, nulificarlo exaltarlo, etc. Ese ha sido el trabajo del Escultor casi por un siglo de investigación plástica. Hasta este momento la experimentación escultórica también se ha visto limitada al campo de las cosas y espacios reales. Sin volcarse a la búsqueda de otras posibilidades espaciales, quizá un poco mas sugeridas en la cotidianeidad. Que al igual que cualquier material son reales en cuanto su existencia y su corporalidad.Una de esas posibilidades se ha encontrado hasta el momento relegada a cumplir solo con su papel como objeto funcional dejando de lado su propia estética y plasticidad.

Algunas preguntas acerca de la imagen (del arte)

2007-02-12T15:59:00.001-08:00

Vamos a ver una exposición, contemplamos una obra de arte.

¿Por qué identificamos la obra de arte con aquello que puede ser visto, con la imagen? ¿No es ésta una identificación reduccionista, consecuencia de una concepción idealista de la obra artística? Si en la obra, en su imagen, buscamos la belleza, ¿esa búsqueda no nos habrá llevado al convencimiento de que tal belleza, y su condición de arte, residen, por inclusión, en el objeto y/o en su imagen?

¿Por qué una imagen es arte y un texto no? ¿Por qué el arte es visual? Dicho de forma menos esencialista, ¿por qué casi siempre podemos admitir que una imagen contemplada como obra de arte es arte y casi nunca lo hacemos cuando es un texto? Hacer tal afirmación bajo estas condiciones parece conllevar que sepamos qué sea una obra de arte. Pero, ¿lo sabemos?

¿Qué condiciones ha de cumplir una imagen o un objeto o cualquier otra cosa para ser arte? ¿Qué características han de reunirse para que consideremos que algo es arte? ¿Tal vez si reuniésemos varias de estas posibles características, o se cumpliesen algunas de estas condiciones, surgiría una obra de arte? Pensemos, por ejemplo, en algunas de las que ha de reunir una imagen, objeto o cualquier otra cosa, o acción -expuestas aquí sin ningún tipo de preferencia-, para que la consideremos una obra de arte:

1. ¿Que nos la encontrásemos en una exposición de arte?

2. ¿Que en dicha exposición aparezca como expuesta?

3. ¿Que nos la encontremos expuesta en una feria de arte o en un museo, kunsthalle, etc.?

4. ¿Que le acompañe un rótulo identificativo en el que se menciona el autor, título y características técnicas y/o fecha de realización?

5. ¿Que un artista lo presente a un galerista como obra de arte?

6. ¿Que un galerista considere que lo que le ha sido presentado como obra de arte le interesa para exponerlo como tal?

7. ¿Qué una galería o un museo la quiera presentar como obra de arte, aún a sabiendas, por ejemplo, de que es material de preparación para un artista?

8. ¿Que lo que la obra significa tenga algún sentido en un sistema de significación dado que identificamos –aquí y ahora- como artístico?

9. ¿Que el propio artista productor de la obra la considere como obra de arte?

10. ¿Que sea considerada por un curator como una obra de arte, sea cual sea su origen, condición material, antigüedad, inserción cultural, etc.?

11. ¿Que un historiador de arte considere reúne las características formales necesarias para ser clasificada como parte de un movimiento o un momento o época artística?

12. ¿Que un artista la quiera presentar como una obra de arte, antecedente o impulsora de su propia obra?

13. ¿Que el público de una época determinada y de un lugar determinado la considere como una obra de arte?

14. ¿Qué sea mirada por el sujeto con una mirada estética, apreciando sus cualidades -o su falta de cualidades- plásticas, escultóricas, arquitectónicas, etc.?

15. ¿Que en el interior de la construcción social de la realidad, la afirmación de la existencia de obras de arte, bajo ciertas condiciones (implícitas o impuestas en la creencia dominante) sea necesaria para ese conjunto de valores puesto en juego en dicha construcción?

16. ¿Que sea considerada como tal por el conjunto institucional que llamamos mundo del arte, siempre que se ajuste a una “retórica”, a una argumentación, que justifique su inserción en el ámbito artístico?

17. ¿Arte es todo lo que los hombres llaman arte?

18. ¿Esto es una obra de arte porque lo digo yo?

19. ¿Es arte toda propuesta planteada en el marco de la «institución arte», tal y como ésta se configura en nuestro tiempo?

20. ¿Tal vez ya no sea posible distinguir entre aquello que sea arte y lo que no lo es?

21. ¿La experiencia artística es algo enteramente individual, por lo que cada uno debe decidir que es para él/ella una obra de arte?

22. ¿Una obra de arte lo es cuando es expresión del sentimiento o de la emoción de su autor/a, los que expresa de hecho?

23. ¿Una obra de arte existe en tanto en cuanto es una representación (sea figurativa o abstracta), una reproducción de la realidad?

24. ¿Hoy arte puede ser cualquier cosa?

25. ¿Puede que no podamos discernir si “algo” es una obra de arte o no lo es? Entonces, ¿quién o quiénes pueden discernirlo? ¿No estamos todos los días, a todas horas, discerniéndolo? ¿Acaso sabemos entonces cuándo o qué es una obra de arte? ¿Acaso sabemos, por tanto, cuándo o qué no es una obra de arte?

26. ¿A partir del ready-made la obra de arte queda sometida a definición legal, es el resultado de una validación institucional?

27. Si el arte se relaciona con el papel <> del lenguaje en el mundo, en el sentido de que las obras que me interesan son “creadoras de lenguaje”, no de términos, sino de juegos de lenguaje –transformando o innovando gramáticas-, ¿podría fijarse –de una vez por todas- una definición de qué es arte, se le podrían asignar unos términos –acciones, objetos, imágenes, palabras, textos- que nos explicasen qué sea el arte?

28. ¿El significado del arte es, como todo concepto, agónico, esto es, motivo de tensión en su definición presente, campo de lucha, ya que no sólo las formas de vida determinan el sentido del lenguaje sino que la determinación del significado lingüístico de palabras, proposiciones, textos o discursos, etc., transforma, en uno u otro sentido, las formas de vida? ¿Toda interpretación es una negociación? ¿Toda oración, toda obra de arte, como señalan Deleuze y Guattari, una consigna?

29. ¿Resulta absurdo plantearse que cualquier cosa puede ser, o pudiese ser, una obra de arte, en cualquier circunstancia, bajo cualquier condición (p.e. que así lo determina “el mundo del arte”)? ¿Tal situación no remite a un a priori metafísico, en el que el signo significa en cualquier condición –la pura deixis sería la condición única y necesaria para la significación-, e ignora que para cualquier sentido es necesario un lenguaje y una forma de vida que dé cuenta de ello?

30. ¿Ubicar un objeto en un contexto en el que la atención de cualquier espectador esté condicionada por la expectativa del reconocimientos de objetos artísticos, por ejemplo, situar lo que hasta entonces había sido un objeto de características visuales distintas a las esperadas en un ambiente artístico, o que el artista declare que se trata de un objeto artístico, independientemente de que se encuentre o no en un ambiente artístico: mediante la utilización de estas técnicas se otorgó a lo que parecían ser morfologías totalmente nuevas el derecho a formar parte de la clase de «objetos artísticos»? [Art & Language]

31. ¿El arte es el tema de los escritos históricos sobre arte?

32. ¿El Arte no existe, existen los artistas?

33 ¿Todo hombre es un hombre? ¿Todo hombre es un artista?[Beuys]

34. ¿El arte es una cuestión de vida o muerte. Puede que sea melodramático, pero es así? [Bruce Nauman]

¿Cuándo -sigamos con la imagen- una fotografía es arte? ¿Por qué tendemos a pensar, por ejemplo, que Cristina García Rodero hace fotografía y que Tracey Moffat hace arte? ¿Tiene la fotografía un déficit de significado, como consecuencia del cual necesita del texto, como afirma Rosalind Krauss, en referencia a la obra de Duchamp? ¿Por qué, en fin, unas fotografías (imágenes) pueden considerarse como arte y otras, no? ¿Cómo llega una fotografía a ser arte? ¿Qué significa hoy que una fotografía es “artística”?

¿Por qué alienamos (separamos, enfrentamos) la imagen del texto? ¿Puede una imagen tener significado por sí misma? ¿Significa la imagen fuera de sistemas de significación que implican fundamentalmente la existencia de texto lingüístico? ¿Preservar esa supuesta autonomía de la imagen no es un síntoma de idolatría? ¿Una imagen contiene (en sí) elementos sagrados (o, tal vez, mágicos) de mediación del hombre con el mundo o lo real?

¿La imagen tiene sentido en sí misma? ¿Este significado es igual o diferente al de la palabra o las palabras que designa/n a lo real que observamos en la imagen? ¿Es posible una relación directa con lo real más allá de las imágenes? ¿La totalidad de las imágenes cubre la totalidad de lo real?

CARTA 1

2007-02-08T10:27:00.000-08:00

Por Marilu Perez

En este caso mencionaré el enunciado de Le Corbuciere que dice: “ la materia es el pretexto para evidenciar el espacio”. Sin embargo Le Corbuciere como sabemos se relacionó por medio de una disciplina que permite al espectador transitar, vivir e interpretar la relación materia-espacio en cuanto a dimensiones de manera diferente en comparación con esculturas y pinturas de pequeño y mediano formato, “la arquitectura”. Ya que al estar en un espacio arquitectónico que incluso podemos ocupar como hábitat conseguimos percibir tal vez en mayor dimensión conceptos como la luz y el espacio, y a medida que lo recorremos, podemos descubrir el lugar e incluso adquirir experiencias, pensamientos y sensaciones.

Pero precisamente ¿qué pasa con las ideas, pensamientos y sensaciones que el espacio provoca en cada uno de nosotros? Aquellas que no se pueden explicar a través de la palabra, los artistas plásticos la transformamos en un objeto, el cuál es el detonante para que estas (cosas) puedan ser percibidas en mayor o menor grado por el espectador y por el creador mismo.

Es aquí donde comienza el llamado “proceso creativo” y en primera instancia el que voy a decir. De manera personal comencé con el con que lo voy a decir pues después de hacer ejercicios con los elementos formales o utilizando la llamada alfabetividad visual como prioridad, pude percatarme que la materia tiene un lenguaje y que muchas veces ese rico y variado lenguaje quedaba enmudecido ante el rigor de mi empleo indiscriminado del formalismo.

Ya que la materia a quien hace referencia Le corbuciere también tiene una historia o como tu dices vivencias incorpóreas y esenciales puesto que son estas características el motivo por el que el productor plástico elige cierto material, objeto o materia como medio para dar su interpretación de la realidad.

Pero esto muchas veces escapa de mis manos puesto que el acercamiento del que tengo referencia con la materia queda encerrado en características físicas o formales, ( en lo que se ve ).

Si ahora me preguntan ¿qué es lo más importante para ti? puedo decir cosas como: la vida, el arte, la mostra, el pollote, el peyote o yo, pero.....lo reflexiono o lo pienso hasta el momento en que me lo preguntan y........si me quitaran alguna de estas cosas de manera inesperada ¿qué pasaría? Pues lo que pasó con el NAYO me daría cuenta que son importantes precisamente por eso por que ya no están

LA AUSENCIA HACE PERCEPTIBLE LA PRESENCIA

Ahora me doy cuenta que siempre he empleado la ausencia como parte importante de mis ejercicios plásticos. En el caso de los cadáveres de hojas no había reflexionado en el proceso y la importancia del mismo, en que significa el quitar la pulpa de la hoja, pues aunque ahora ya son inanimadas algún día estuvieron vivas y el proceso es un tanto agresivo ( cortar hojas y usar ácido ) aunque al resultado podemos otorgarle una categoría estética de bello, el mensaje es sutilmente dramático.

Y si bien es cierto que siempre he tenido una preocupación estética en la obra, las categorías estéticas y la manera de mostrarlas puede ser variada.

Un punto aparte es también algo que no sabemos con exactitud en que momento va a ser perceptible o hacerse presente en el proceso de la propuesta artística, me refiero a la fuerza, energía o belleza de un accidente o para ser más específicos cuando la materia se expresa de manera libre a pesar de la manipulación del autor, cuando la materia te sorprende y te recuerda que estas trabajando en la realidad y que parte de ésta realidad es la incertidumbre.

Lo que me lleva a citar a TADASHI sensei en una de las pocas platicas sin interrupción que pudimos tener: ALGUNAS VECES CUANDO SE FUNDE LA TÉCNICA, EL CONOCIMIENTO Y LA EXPERIENCIA CON EL INESPERADO ACCIDENTE......ENTONCES, SE MANIFIESTA EL ARTE

No conozco el camino, pero percibo su aroma, mmmmmmmmmmmAhora estoy consciente que para poder decir algo, lo que sea primero necesito tener una opinión y que buena parte de lo que se llama personalidad se va a manifestar en la manera de abordar y presentar la propuesta. Sin embargo el que lo entienda no quiere decir que sepa como hacerlo, ese es el encanto del acertijo a resolver y lo seductor es que he visto como lo han resuelto otras personas CHILLIDA, CESAR, DUCHAMP, WARHOL, MOORE, ARMAND, SOTO, etc. pero..... ¿como lo resolveremos tu y yo?

Tomando distancia

2007-02-08T10:26:00.001-08:00

A veces hay que alejarse de las cosas para poder estar mas cerca de ellas, yo no sé, si me acerqué… lo que si es seguro es que me alejé.
Ayer me fui a dormir como todos los días, después de ver una pelí del canal 7, lo que no fue como todos los días fue el sencillo hecho de que no estuve en los mismos lugares ni con la misma gente, tuve la chance de gastar y de vencer; decidí abandonar todo…
Viaje no sé cuantos miles de kilómetros para encontrarme con mi amiga de la juventud “Miyi” una arquitecta que decidió emprender el vuelo hacia las tierras lejanas del mayab, claro que después del paso del huracán “Willma” los arquitectos tienen mucha chamba en este sitio. Ella llevaba invitándome a su casa en Cancún casi dos años, y yo por mis miedos y lo limitado de mis gastos no había aceptado.
Hace dos días acepte y espere tres horas en el aeropuerto de la ciudad de México, ya que por el miedo infundido por los gringos hacia el terrorismo, te revisan todas tus pertenencias, en esas tres horas esperé a que mi amigo cabeza llegara a la ciudad, el venia de la ciudad de la Habana, por que había ido a exponer ahí, busque a mí amigo girasol, el trabaja en el aeropuerto como guardia, dice el que para tener las vivencias relativas a su profesión (sociología). Total que no pude ver a nadie conocido.
Después de vario tiempo subí al avión y llegue a Cancún, después de abrazar a “Miyi” casi no me entré de lo que paso, hablamos y hablamos hasta muy tarde, y al otro día partimos a una isla que ella tampoco conocía. Llegamos ya de noche así que no supe en donde iba a dormir.
Cuando a salir el sol desperté en aquel paraíso, no podía creer lo que mis ojos estaban viendo, así que los cerré, pero la impresión fue mas grande aun aquello se podía percibir por cualquier medio, menos el televisado. Caí en cuenta que estando en la cuidad mi percepción estaba ya acostumbrada a todo lo que día a día sucede a mi alrededor. Mi cuerpecito estaba todo pegajoso y humedecido. Con los ojos cerrados, abrí mis otros sentidos, incluido el del dolor, me dolió tanto el haberme negado tantas veces el poder enfrentarme a estas cosas. Lo único que se escuchaba era el paso violento del viento con un fuerte olor a sal.
Partimos con rumbo al muelle a las 6:30 AM. Dispuestos a visitar a tiburones ballena, hermosas bestias de casi 18 m. de largo a las cuales ya había conocido en los documentales de Jakes Costeau, mucho sol y como una hora después. Me pusieron un par de aletas, gogless, y snorquel y sin esperar a que actuaran mis miedos me tiraron al mar. Lo primero que ví una enorme manchablanca, que se movía frente a mí. Y con eso adiós miedos estaba nadando en mar abierto con tiburones ballena que hacían que mi propia presencia se pusiera en duda.
Claro que como citadina dedicada al arte y a la docencia, obviamente mi condición física y lo sublime de la situación me saco rápido a flote, regresamos ala isla y caminamos por la orilla del mar, ahora entiendo a quien dijo que no sabia en que lado el océano terminaba y en que lado comenzaba, y no es que nunca hubiera estado en el mar, simplemente es que no lo había hecho con la conciencia necearía en mis sentidos para enfrentarlo. Como un vil instinto comencé a recoger objetos que llamaron mi atención sin justificación alguna, son objetos que por algo me parecía que no deberían estar ahí, pedazos de madera que el mar había trabajado con mas destreza que yo, corales rotos pues los vestigios del huracán aun son evidentes, volteando hacia el lado de tierra firme las construcciones a las que también el mar las trabajo con la mayor destreza posible, generaban un paisaje dalísesco caribeño que hay que verlo para creerlo.
También recolecte caracoles, por que fue lo único que Marilu me pidió unos pocos caracoles pequeñitos.
¿Hay que comprar recuerdos? ¿Hay que fotografiar recuerdos? ¿Los recuerdos son para la mente?
¿Los recuerdos se pueden recoger en cualquier momento y ofrecerlos para que cada quien escoja el que mas les guste? ¿Que onda con los recuerdos?

¡ AJUUUAA!

2007-02-08T10:15:00.000-08:00

Por Marilu Perez

Y que tenemos de mexicanos, a manera general: que somos unos fiesteros, parranderos, infieles y tranzas entre tantas lindas cualidades. Propongo en base a lo que habíamos comentado el otro día. Tenemos que expandir la burbuja, ampliar nuestro microcosmos y armar la realidad que queremos “El poder es el conocimiento”y ya sabes que no me refiero al conocimiento solo de los libros o memoria académica.

Por poner un ejemplo:

· Mexican-fiesteros

A todos nos gusta echar desmadre con unos cuantos tragos encima, bailar, gritar y hasta cantar, y citando lo que dices “ hacer todas las estupideces que tocan a nuestra puerta” de todas maneras a los demás que...? Ahora razonando esta actitud, a manera personal me encanta sentirme así con esa sensación de libertad que te da el poder caminar sin que tenga que preocuparme por quien me va a juzgar o no, pero sobre todo ese disfrute o goce que me da el armar mi experiencia...y....creo que se nos había olvidado un poco eso.
Y no es por poner pretextos pero entre el trabajar para comer, la responsabilidad con los alumnos, con los padres de familia y múltiples cosas creo que hemos desviado un poco la atención de lo que a nosotros nos entereza ¿ no crees? EL DISFRUTE DEL PROCESO CREATIVO. El disfrute por llamarle de alguna manera, ya que no se puede definir solo como disfrute al proceso creativo que tiene cada productor de ideas ya que el placer no radica solo en el: estoy a gusto y todo es bonito, también intervienen los momentos de acierto y error, los de impotencia ante la propuesta desconocida, los de incertidumbre, los del valemadrismo, los de abandono y regreso al proyecto, los de razonamiento y que sería del proceso creativo sin los momentos de la elección crucial, el decidir la forma, el material, la escala,etc?

Por otro lado como mexicanos, hablando en cuestión de masa nos gusta consumir fayuca ¿por que?

Una de las razones, es por que es muy barata y cubre nuestras necesidades aunque sólo sea por un rato pues sabemos que es de mala calidad; o sea que aunque lo que compremos sea bonito y con muchos

foquitos y “ a la moda” sabemos que en unos cuantos días no va a cumplir con la función para la que fue diseñado, se rompe, se quema, pasa de moda y entre otras cosas se transforma en algo obsoleto.

Creo que en cuestión de producción artística ha pasado algo similar, y sin afán de ponerme en una posición acusadora que no me corresponde me he percatado a través de exposiciones y visitas a talleres de producción que hay algunos compañeros que plantean nuevas maneras de presentar sus propuestas sin la carga del nacionalismo o sin utilizar el tan socorrido recurso del kitsh. Y que si bien dice HERSUA los artistas del presente son el resultado de los artistas de pasado, claro, es lógico que tengamos influencias o que manejemos y entendamos la alfabetividad visual.

Y citando a Platón en el ejemplo de la cama y quien la produce. Es también lógico que aunque sea la mismo concepto de cama el que pongamos de pretexto para hacer, cada productor presentará su idea de cama, los materiales y maneras de presentarla. Lo importante a estas alturas es presentarla de otra manera de la que nos la han presentado a lo largo de tantos años. Claro sin caer en el fusil artístico de lo ya probado.

Es difícil ofrecer una propuesta así, ya que no sabemos físicamente como es pues se está gestando. Pero si ya hemos visto que se consume cada cosa .........¿por que no aventar lo nuestro? Eso sí y aunque suene a frase barata lo que podemos ofrecer a este amplio y diverso mercado es una propuesta HONESTA y de voz abierta.

Puedo equivocarme pero el estándar de calidad podría ser el siguiente:

- materia, espacio-----------------libre
- formas--------------------------libre
- propuesta-----------------------razonada
- factura--------------------------alto (dependiendo de la estética)
- capacidad de cuestionar--------variable
- valores estéticos----------------libre
- temática-----------------------opcional

· es obvio que se aceptan propuestas y reclamos, de todas maneras lo que importa es limpiar el camino.

Pásele, pásele, vealooo sin compromiso

Las variables, el ser o no ser mexicano.

2007-02-08T10:11:00.000-08:00

Las variables surgen, frente a nosotros. Y nosotros nos dedicamos a golpear a los oponentes. NO pensamos, No hacemos, solo maldecimos a los que no están de acuerdo con lo que yo digo.
Y trato de salir de esta maraña, volteo y observo a mí alrededor, seguimos como caballos de noria, viendo solo al frente.
Quizás sea envidia, quizás sea incompetencia, quizás eso sea el ser mexicano. Y como tal buscamos el ponernos el pie los unos a los otros pero no lo ponemos para subir, sino para tirarnos.
Seria interesante como te lo dije el otro día, aprender a escuchar y ponernos en los zapatos del otro, para poder avanzar.
No trato de negar que esa actitud sea parte de nuestra propia cultura, si no solamente trato de desaprender, para aprender más aun.
Ya que el ser mexicano nos brinda una gama de oportunidades en las que yo no había pensado.
¿Cuales? Pues, el seguir de terca, aunque no tenga lana, resolver los problemas conceptuales y formales, por medios que en los países del primer mundo ni siquiera se podrían imaginar, sus problemas, y su realidad es otra. Por lo mismo no quisiera yo unirme a las huestes del fusil artístico.
Pensemos que a últimas fechas la labor reconocida del artista mexicano, ha sido vanagloriada por unirse a las huestes del fusil artístico. Cuestión que me lleva a pensar en la opción de que si quieres sobresalir como ARTISTAMEXICANO lo único que queda es cerrar las puertas de las variables y unirte a las huestes del fusil armisticio. Y si no
¿Cómo darle en la madre?
A todos eso planteamientos que se han apoderado del arte mexicano.
Como darle en la madre a todos los planteamientos que se han institucionalizado, y llámalos como quieras: formalismos, muralismo, neo-mexicanismo, vieja escuela, nueva escuela, conceptualismos, bla bla bla.

Todos son y han sido artes por alguna razón en especial, ya se por que alguien dice que son arte o por que por si solos se autonombran arte, entonces cual es el pinché pedo. No se y ahí esta la mina de oro, seria lindo que pudiéramos discutir sin estar cada quien montado en su macho y en su propia necedad de que yo tengo la razón y los demás están bien pero bien pendejos.
Propongo abrirnos a los lenguajes ajenos, algo deben de tener de interés.
Hacer las cosas que juramos no hacer. A lo mejor así, si salen.
Tomemos en serio a la obra, no a nuestros egos.
Portémonos como profesionales que somos, y no como los que queremos ser.
Démosle chance a todas las estupideces que toquen a nuestra puerta, después de todo, ninguna de esas va a ser un museo.
Seamos orgullosamente artistas mexicanos.
Acepto sugerencias por que ya no sé que mas escribir

11 de julio de 2006

2007-02-08T09:57:00.000-08:00

Si los mexicanos no nos echáramos solo tierra.

Creo que el ser mexicano, implica cosas mas allá que solo las malas famas que corren y recorren el mundo, corro el riesgo de sonar nacionalista mal plan, pero tenemos en nuestro haber cultural cuestiones que están mas allá del solo ser fiesteros , albureros, y malinches consumidores de fayuca.
¿Cuales son esas virtudes? Esa es una cuestión que le corresponde a cada quien descubrir, después de dar un vuelta alrededor de su vida y regresar; ya que por la misma “subjetivad” del proceso en el que estamos inmersos se podría tomar como pretexto para muchas discusiones bizantinas que no nos llevarían a nada mas que a estar borrachos y discutiendo estupideces, y no es que sea malo o bueno; pero si es reiterar en puntos ya muy caducos y discutidos.
Hay puntos que creo que son más interesantes como por ejemplo el recurrir a las falacias mercantiles, y a los engaños objetivados y baratos que llamas fayuca.
¿Es el momento de decidir si nos unimos al engaño?
Tenemos las herramientas necesarias para poder engañar al espectador (sabemos como hacerlo) con las mismas propuestas baratas y de mala calidad que él consume en la calle.
Peros…, casi ninguno sola la valides que nuestras propuestas puedan tener al ser validadas por el arte mismo. Cosa que a nadie le interesa.
A favor, el poder hacer una critica objetivada de la relación de nuestra cultura con el consumo de basura, como ya lo he dicho antes una sociedad que se alimenta de basura ¿puede producir algo que no sea basura? Y para estar a la moda con mi comentario, me autocito y digo una sociedad corrupta, solo puede producir un arte corrupto.
¿Tenemos entonces sentadas las bases para poder partir hacia la objetivación, barata o no, de las propuestas? para con toda conciencia entregarnos a cualquiera de las aristas de nuestra propia realidad.
En lo que si estoy de acuerdo es en que ya sean baratas o no deben estar bien echas, horrendas o no deben tener una factura buena, para que las propuestas sean tomadas en serio (con esto no digo que sean hechas oro, sino que valgan oro), por que hasta la fayuca a primera vista se ve bien, ya en el fondo, pus la neta quien sabe, pero de entrada se ve bien.
Esto me lleva a pensar también, en que hay calidades de fayuca y piratería, no es lo mismo la bonita película pirata de $25, que la peli pirata de a $5. Por lo que puedo concluir que cuando pensamos que no podíamos caer mas bajo siempre se abre otra puerta que nos lleva a experimentar cosas peores o mejores, lo importante es ser concientes de eso, el saber por que estas escogiendo irte por ahí. “Nosotros no comprendemos lo que buscamos, buscamos comprender” [1]
Nótese el comprender, y creo que esta palabrita va mas lejos del simple echo de “razonar”, como de llevar todas nuestras vidas a la parte conciente de cerebro y que accione los peptidos necesarios para lograr un gran proceso mental, en extremo razonado y bla bla bla.
“Comprender: abarcar, rodear por todas partes, entender, percibir, encontrar justificados los actos o sentimientos de alguien”.
Implica más que la razón, implica el goce, implica el no goce, la desesperación y angustia etc.; para conocer tus necesidades, afinidades, y desventuras. Entonces si acceder a la producción de objetos que no estén subordinados a tus propias carencias o virtudes, en los que se rescaten las visiones totales de tu realidad, claro que suena a utopía y las utopías son inalcanzables, pero es un viaje que no tiene punto de llegada y creo fielmente que eso no es lo importante; lo importante sería rescatar el punto de partida y el sendero que se recorre o no se recorre.
Comprender el porque de nuestras acciones y reacciones, para poder avanzar. Reconocer nuestros valores y antivalores como individuos miembros de una comunidad, para poder criticarla en pro o en contra, en nuestro caso por medio de objetos bi o tridimensionales, que después se convierte en espejos como ya lo habíamos mencionado; y que lo que veamos en ese espejo no nos resulte aterrador.

[1] Cesar Baldaccini en Ruhrber,Karl./ SCN.. Arte del siglo XX, Alemania, Tashen , ¡998- 1999 840p.

Genealogía. Del espacio a la realidad.

2007-02-06T15:53:00.001-08:00

Proyecto creativo.

Sin espacios la realidad no puede existir, sin aire no podemos vivir.

Antecedentes: A lo largo de casi doce años de “jugar” con la escultura, me han surgido varias preguntas en las que creo puedo basar este proyecto.

¿Los espacios son los que generan la realidad?

¿La materia es la que genera la realidad?

¿La interacción materia espacio, genera la realidad?

¿Es la realidad una mera idea?

La genealogía interpreta las interpretaciones. El espacio, evidencia a la realidad y la realidad evidencia al espacio. Yo interpreto al espacio por medio de los esqueletos, que la materia puede dejar.

El arte, decía Platón es la belleza de la representación de la realidad. Pero acercándonos un poco más a nuestro tiempo y a nuestra geografía Juan Acha reafirma la idea de que el arte no solo se debería quedar estancado en el encadenamiento de ser bello, sino que hay categorías más allá que también son tocadas por los artistas en ciertas épocas, creo que en estos momentos se podría hablar de que el arte se acerca a la presentación de los fenómenos tal cual rompiendo barreras de categorías estéticas, de disciplinas artísticas y del arte mismo. Las propuestas surgen como tienen que surgir, sin encapsularlas en pinturas, esculturas o ideas.

El objetivo principal de este trabajo es, evidenciar la presencia de lo real por medio de lo que no parecería serlo, de lo que no estamos acostumbrados a contemplar como real. Tomar lo incorpóreo, para acentuar lo material. Hacer presente la materia por medio del espacio.

En la actualidad mi propia vivencia, me ha llevado a la exploración de las cosas que no conozco, entre ellas puedo mencionar los lenguajes de disciplinas artísticas ajenas a mi propia producción, a fenómenos de los cuales no había tomado conciencia. De todos modos hay cosas que escapan a mi conciencia pero es esta la fuente de donde provienen todas las ideas que trato de concretar en objetos.

Hipótesis: El aire nos da la posibilidad de vivir por que somos humanos, las cosas viven por medio de sus espacios.

La interpretación de la realidad, el trasgredirla, implica una dialéctica entre el trabajador plástico y los objetos o materiales que lo rodean, el goce objetivado del propio ser, incluso con todo lo que él rodea también, con esto me refiero a que dentro de cada persona hay un mundo completo, que en el caso del artista emerge en cada uno de sus trabajos como un mudo testigo de de su experiencia de vida.

Problemática: Las vivencias del artista, son incorpóreas y se concretan en objetos para dar su punto de vista sobre la experiencia vivida; para poder traducir su reflexión de lo que él experimentó.

El hombre artista va creando sistemas estos sistemas dependen de su propio entorno el entorno le proporciona cosas nuevas que en el mejor de los casos él no conoce. De estas cosas que no conoce, la mayoría son incorpóreas pero animadas.

La misma búsqueda me ha llevado a quitar la mayoría del material; del cual pensé en algún momento depender totalmente, para encontrar la posibilidad de jugar con el espacio y la materia convirtiéndolos en una reflexión de la misma realidad. Y como decía mi maestro “hay que quitar todo lo que le estorba al espacio para que la materia pueda respirar”.

La interpretación de la realidad, la mezcla con otras interpretaciones que aunque no las tomemos en cuenta existen; como el espacio o el aire, tan necesarios y tan poco observados, no es que nadie los quiera ver, es que como no son visibles, no somos concientes de su presencia hasta que tratamos de quitar todo lo que le estorba.

¿Pero como poder ver lo que a simple vista no es visible?

Trabajar, investigar, abordar la realidad desde los espacios que genera; no desde su materialidad, es mi búsqueda y son estos espacios los que nos permiten respirar.

La materialidad de un árbol se llama madera, hojas, celulosa etc... No busco eso, busco lo que ésta contiene; pero no es madera, busco los espacios que se escabullen para convertirla en realidad.

Es por esto que la forma se convierte en un mero pretexto del cual no podemos sacudirnos ya que por nuestra propia naturaleza necesitamos referentes conocidos para poder acercarnos a lo desconocido, la forma simbólica se disuelve ante lo imponente de la realidad. ¿Acaso hay que buscar en lo que aparentemente no es real (irreal) para acceder a la realidad?

Desarrollo: El trabajo abarca la realización de por lo menos 20 objetos estéticos tridimensionales, que presenten la realidad por medio de el espacio que contienen, utilizando para ellos materiales que permitan y acentúen la interacción del espacio, tomando como pretexto formal los vestigios (esqueletos) en los que se puede evidenciar la presencia del espacio, sobre la presencia de la materia.

Parto de las obras que he desarrollado durante este ultimo año en las que he comenzado a explorar el terreno del la presencia de la realidad a partir de los espacios y la interacción que la generan.

En estas ultimas obras he trabajado con los esqueletos de hojas de árbol, y fue este medio el que me guió ante la presencia de la realidad y de sus infinitas posibilidades de presentarse y de representarse.

De hecho el resultado no es una propuesta inflexible, no es única ni estática, el resultado de este trabajo es un proceso que esta en plena transformación, por ende resulta mas interesante poner solo algunos puntos de apoyo, y no definir desde este momento cuales serán los resultados, ya que esto estancaría el proceso y lo limitaría a tener que anclarse en propuestas que aun no conozco en su totalidad.

Puedo lanzar un cuestionamiento al espacio pero no puedo saber exactamente en donde terminará.

Conclusiones:

El cuestionamiento esta expuesto, y los resultados se verán durante el desarrollo del proceso. Aun tengo muchas dudas por descubrir, muchas preguntas por formular y muchas concreciones que realizar, y todo esto con base en la genealogía del espacio a la realidad.

Monica Perez Quintero

Y que tendría, el no tener la razón…

2007-02-06T15:44:00.000-08:00

Monica Perez Quintero

Algunas veces me he preguntado ¿Dónde surge la necesidad del hombre por poseer la verdad absoluta?

Al parecer este es un problema, que ya tiene su tiempo preocupándonos. Cuando en la antigüedad el Papa Gelasio I, comenzó su búsqueda por estos caminos y después de escribir varias cartas en las que explicaba estas cuestiones; a mi parecer más desde el punto de vista de un filosofo, que desde al punto de vista de un clérigo. Gelasio I, planteo la teoría de las dos espadas, en la que la primera espada representaba al poder del gobierno, y la segunda al poder de la iglesia ponía en juego la validez de la misma pregunta ¿quien tiene la razón? El gobierno o la iglesia. ¿Quién podría dejar la verdad como legado a sus fieles seguidores? Concluyó, en que cada uno se encargaría de los fieles que les correspondieran, pero al parecer y hasta estos tiempos (principios del siglo XXI) esto aun no puede ser realizado, y quizás nunca pueda realizarse, es lo que llamamos una bonita utopía.

Por otro lado en la época de la ilustración, Voltaire dijo: “No estaré de acuerdo con tus ideas, pero defenderé con mi vida tu derecho a expresarlas”, volvemos a tocar este tema, el mundo se convertiría en un paraíso terrenal, si por lo menos cada uno de nosotros pudiera ejercer su derecho de elección, expresión y por ende un derecho que a todos nos pertenece; el derecho a pensar. Dejando de lado la cuestión ¿Quién tiene la razón?

Esta cuestión ha trasgredido tiempo y espacio, ha pasado de los clérigos, a los filósofos, de los enciclopedistas a los nihilistas. Y después que…

Parecería que no nos queda mucho que decir, pero en la actualidad, a raíz de unas inofensivas caricaturas, que representan a Mahoma con una bomba en la cabeza, se ha volteado a ver de nuevo esta cuestión. Ya que como es costumbre la moral no logra encontrar su morada en la verdad. Un problema ético se convierte en un problema religioso y llega hasta ser un problema de política y un pretexto para los artistas, aunque quizás este no sea el orden de los factores. Expresarse o no expresarse, ese parece ser el dilema, podemos autocensurarnos pero ¿cuales serian las razones validas para hacerlo?

Podría sugerir que tomáramos las verdades como una variable de tantas que hay, y como un ente que existe, que esta vivo, que no lo podemos negar pero tampoco es sano radicalizarlo; ya que por el acho de que esta vivo, se transforma, cambia. Y este movimiento es en donde podemos encontrar a lo mejor la verdad de la verdad. Permitirnos esta ligera osadía nos permitiría dar la oportunidad de existir a otras personas que no piensan como yo, y así yo me permitiría la transformación de mi propio pensamiento. Pero parece que esto me implicaría poner en juego todo en lo que he creído durante toda mi vida. ¿Poner en duda mis propios valores? Suena fácil… la “verdad” es que al igual que la iglesia teme perder su poder, el gobierno se aterra ante la idea de dejar su sitio de honor, y a mi como artista la duda podría abrirme nuevas fronteras para mi trabajo me enfrentaría a lo desconocido, pero yo la iglesia y el gobierno estamos muy a gusto así, y cambiar la comodidad por cosas desconocidas aunque solo sea aparentemente, nos suena como una violación a nuestros derechos, pero seguimos olvidando nuestro derecho a pensar y a existir. Solo hay que reconocer estos derechos para permitir que yo y todos los demás existamos en un mundo que nos pertenece a todos, los de derecha, los de izquierda. Los católicos y los musulmanes, los artistas conceptuales y los artistas académicos. Los rudos y los técnicos, los entupidos y los geniales. Los vegetarianos y los carnívoros. Los gays y los súper machos. Porque todos juntos somos y existimos, podemos aprender los unos de los otros, que en la realidad no hay buenos ni hay malos, solo hay. Y ahí sí, no hay de otra. Triste y lamentablemente nuestro instinto de supervivencia no nos permite ver más allá de nuestras propias narices y peor que perros atacamos a todo lo que nos amenaza, sin pensar. Nos quejamos de las violaciones a los derechos humanos y ni siquiera ejercemos nuestro derecho a pensar.

A nadie le conviene pensar, a nadie le conviene el cambio aunque la democracia nos la metan hasta en la sopa. Y por lo mismo seguimos peleando batallas que no nos corresponden, preocupándonos por pendejadas, ¿me engañará mi novio?

¿Mi vecino me odia?, y después tratamos de justificar una angustia ajena, que si no fuera por las pendejadas, no tendría razón de ser. Ose a que nuestros juicios morales están basados en pendejadas. Porque que tendría no tener la razón, y permitir que los que adoran a Mahoma lo hagan y sin meterme en sus cultos, que tendía que unas caricaturas no se tomaran como un gran agravio sino como una ventana nueva a mi realidad. ¿Que tendría que el presidente de México valla a misa los domingos como cualquier otro mortal? O que al secretario de gobernación le moleste que su hija lea el libro de “Aura”. El problema está en que como a el no le gusta que su hija lea “Aura” nadie lo debe leer. El problema es que aunque yo no soy aficionada al Atalaya, todos los domingos van a mi casa a tratar de convencerme de que estoy mal. Y ellos no están dispuestos a ver mis esculturas. Que sí paso por la “Zona rosa” me tenga que soplar a miles de homosexuales exhibiendo sus rituales de cortejo en la calle. Pero a los heterosexuales les dan sus 24 hrs. De arresto si hacen lo mismo en un carro.

Son pequeños ejemplos que me llevan a, creer en la posibilidad de luchar más que por el derecho a la tolerancia, a luchar por defender también mi derecho a la intolerancia. Y como ya lo había mencionado son cosas que existen y seguirán existiendo, no son buenas ni malas, solo son. Lo único que nos queda para defendernos de los discursos radicales, fundamentalistas, estupidos y engañabobos, es nuestra propia capacidad de pensamiento y nuestro instinto “sospechocista”.

Después de pasear por los discursos de Papas, de políticos y de estupidos lo único que me queda es:

Seguirme pareciendo simpática y luchar por el derecho a ser intolerante…

La globalización: Objeto cultural no identificado

2007-02-06T15:40:00.000-08:00

Los descentramientos del arte contemporáneo: de los espacios alternativos a las nuevas capitales.

Es de notar que el autor reflexiona en una parte fundamental del discurso artístico ya que es la parte que complementa la propuesta artística: EL PUBLICO y del cual se percibe un desarrollo en la actitud, que pasó de ser solo un contemplador pasivo hasta un receptor que interactúa y a veces como dice Canclini se vuelve un “publico planetario” imaginario. Accediendo a discursos figurativos, abstractos, efímeros, etc.

Nos puso cara a cara cronológicamente con distintas propuestas y como a partir de estas problemáticas los productores de arte desarrollaron nuevos lenguajes, formas, discursos y maneras de utilizar los medios que tenia a su alcance. El arte como ya lo hemos visto, se convierte en un reflejo de la sociedad, globalizada o no; eso es lo de menos. En la actualidad con la extensa gama de posibilidades de producción, distribución y consumo del arte ¿Cuál es el eslabón que nos toca ensamblar?

¿…Y la globalización?

Tenemos acceso a información apabullante: grafica, visual, sonora, que incluso podemos considerarla caótica y tomar una postura pesimista acerca de todo lo que tenemos al alcance y sus consecuencias, pero…animo también podemos irnos al otro extremo y tomar con singular alegría todos los medios con que contamos para hacer:

Que la apatía no se imponga y el público nos otorgue al menos el beneficio de la duda y dirija su mirada una vez más hacia el arte.

Podemos producir o encontrar un “OANI” objetos artísticos no identificados, no globalizados y no delimitados, no realizados y demás nos que pueden rodear la producción en estos momentos, podemos también dar la vuelta y encontrar muchos sis solo si tenemos los arrestos suficientes para enfrentarnos a todo lo que esto implica.

García Canclini Néstor. La globalización imaginada. México, Paidos, 1999.

Benítez Dueñas, Issa Maria. Hacia otra historia del arte en México, Disolvencias, (1960-2000).

2007-01-24T09:01:00.000-08:00

Espacios bidimensionales interdisciplinariedad entre la escultura y la pintura contemporáneas.

Esta es una propuesta Plástica que surge de mi necesidad como escultora de confrontar al plano pictórico y su explotación hasta el momento.

Sabemos de la existencia de la escultopintura; pero ésta es una propuesta en la que el espacio hace presencia fuera del bastidor o soporte de la obra pictórica, sin hacer un análisis a fondo sobre las características de los mismos.

La misma especialidad que posee cualquier objeto en este caso específico el soporte de una obra, puede convertirse en el receptáculo de cuestiones escultóricas, encaminadas hacia la búsqueda de una trama que enlace las artes “clásicas” con la interdisciplinariedad y la globalización del mundo actual.

En algún m omento la escultura perdió su pedestal, pero en el caso de la pintura; este pedestal no ha sido valorado, ni revalorado para poderlo perder.Sabemos también que todos los objetos ocupan un ligar en el espacio, quedan do en manos del artista la decisión de modificarlo, aprovecharlo, enmarcarlo, nulificarlo exaltarlo, etc. Ese ha sido el trabajo del Escultor casi por un siglo de trabajo hasta este momento la experimentación escultórica también se ha visto limitada al campo de las cosas y espacios reales. Sin volcarse a la búsqueda de otras posibilidades espaciales. Quizá un poco menos reales en la cotidianeidad., pero si reales en cuanto su existencia y su corporalidad.

Una de esas posibilidades se ha encontrado hasta el momento relegada a cumplir solo con su papel como objeto funcional dejando de lado su propia estética y plasticidad. ¡Si¡ ¡!! Señor señora señorita le venimos ofreciendo le venimos trayen do el ESPACIO GUARDADO dentro del bastidor de u n artista, un gran sinnúmero de experiencias estéticas a la espera de ser descubiertos. Siendo que los bastidores por lo regular son cuadrados o rectángulos , ahora con este producto usted los puede convertir en prismas descubriendo el ESPACIO GUARDADO.

El panorama del tercer mundo en el siglo XX

2006-12-18T16:05:00.000-08:00

Guerrillas, crisis económicas dictaduras, golpes de estado, movimientos estudiantes e importación de ideas es el panorama que engloba la visión de Hobsbawm, uno de los factores recuperables de este episodio es la interacción de la clase media y la pequeña burguesía, con la realización de las ideas que se vertían sobre el tercer mundo.

En otros escenarios, el cambio estaba en las manos del pueblo y las clases obreras y campesinos, de los cuales al parecer se abusaba por su falta de conocimiento de lo que sucedía a rededor de su cotidianeidad.

Los hijos de los campesinos del tercer mundo aspiraban a tener una vida mejor que la de sus padres y por eso asistían a la universidad, y aunque no generaban ideas propias, se apoderaban de las ideas del mundo comunista y se enfilaban en contra del gran rival; Estados Unidos.

América latina se confirmo como un caldo de cultivo para todas las ideas emergentes en todos los campos del conocimiento, incluido el campo de las artes. Las artes toman fuerza y desarrollan hasta nuestros días en los que se comienza a generar un “boom” latino, ósea que como somos sui géneris y extravagantes nos tamos poniendo de moda.

En México se nos muestra un panorama parecido al expuesto por Hobsbawm, y tal vez podamos ver caídas y surgimientos de nuevas guerrillas como el EZLN, sin embargo algo es cierto, que a pesar de su existencia los campesinos de Oaxaca están igual, o en peores condiciones económicas que cuando comenzó el movimiento Zapatista. ¡¡¡$300 al mes!!!

¿A que podemos apostar ahora? A un gobierno con discapacidad, a aprovechar la ignorancia de las masas, al conocimiento y producción de nuestra verdadera ideología y no a la que exportamos o imitamos en el pasado sino a la que se gesta en las acciones.

¿Qué historia se producirá?...

“La verdadera historia es la historia oficial, la demás o lo que los demás digan son p… ¡Qué arrogancia!”

María Eugenia Bejarano González
Monica Perez Quintero
Marilù F. Pérez Valderrama
13 de septiembre 2006

La globalización: Objeto cultural no identificado y Los descentramientos del arte contemporáneo: de los espacios alternativos a las nuevas capitales.

2006-12-18T16:01:00.000-08:00

Ambos textos se centran en la segmentación de los modelos conocidos, tanto en política como en economía y arte. Claro poniendo como referencia al tema que nos confiere “El arte” con discursos como la lucha contra el sistema político moral al cual se le unieron la protesta obrera como lo fue el movimiento muralista o, el surgimiento de los grupos marcados por el movimiento estudiantil de 1968, en fin nos expone las necesidades sociales y de discurso que divide en cuatro hechos: 1968 y el conflicto estudiantil, el sismo de l985, la fragmentación de 1994 y la caída del 2000.

Es de notar que el autor reflexiona en una parte fundamental del discurso artístico ya que es la parte que complementa la propuesta artística: EL PUBLICO y del cual se percibe un desarrollo en la actitud, que pasó de ser solo un contemplador pasivo hasta un receptor que interactúa y a veces como dice Canclini se vuelve un “publico planetario” imaginario. Accediendo a discursos figurativos, abstractos, efímeros, etc.

Nos puso cara a cara cronológicamente con distintas propuestas y como a partir de estas problemáticas los productores de arte desarrollaron nuevos lenguajes, formas, discursos y maneras de utilizar los medios que tenia a su alcance. El arte como ya lo hemos visto, se convierte en un reflejo de la sociedad, globalizada o no; eso es lo de menos. En la actualidad con la extensa gama de posibilidades de producción, distribución y consumo del arte ¿Cuál es el eslabón que nos toca ensamblar?

¿…Y la globalización?
Tenemos acceso a información apabullante: grafica, visual, sonora, que incluso podemos considerarla caótica y tomar una postura pesimista acerca de todo lo que tenemos al alcance y sus consecuencias, pero…animo también podemos irnos al otro extremo y tomar con singular alegría todos los medios con que contamos para hacer:

Que la apatía no se imponga y el público nos otorgue al menos el beneficio de la duda y dirija su mirada una vez más hacia el arte.

Podemos producir o encontrar un “OANI” objetos artísticos no identificados, no globalizados y no delimitados, no realizados y demás nos que pueden rodear la producción en estos momentos, podemos también dar la vuelta y encontrar muchos sis solo si tenemos los arrestos suficientes para enfrentarnos a todo lo que esto implica.

Equipo 10

García Canclini Néstor. La globalización imaginada. México, Paidos, 1999.
Benítez Dueñas, Issa Maria. Hacia otra historia del arte en México, Disolvencias, (1960-2000).

PERFORMANCE Y FOTOGRAFÌA MEXICANA CONTEMPORÀNEA

2006-12-18T15:49:00.000-08:00

En ambos casos: el performance y la fotografía se hace un análisis de su inmersión en la cultura mexicana en la década de los 80’s, pues en ambos casos se plantea en los textos que son contextualizados en la realidad que se vivía en aquella época, para dar paso a planteamientos y reflexiones en primera instancia de cuestiones como el nacionalismo, lo mexicano, el feminismo y lo religioso, y tal vez por que en ambos lenguajes se maneja en su mayoría elementos figurativos las propuestas del performance se centran en su mayoría en el discurso del “TEMA” “lo primero que hay que atacar es a los museos, por que con e pretexto de la cultura nos impone una visión totalmente industrial”[1] acudiendo en primera instancia a la sorpresa, a la agresión del publico o en la espera de una reacción ya sea violenta o no por parte de éste, sin embargo el lenguaje y los planteamientos cada vez son mas difíciles de abordar pues tal vez como mencionamos en otro texto se planteo la muerte de la pintura y tal vez estemos viviendo la agonía o el renacimiento del performance ¿ que mas se puede decir? ¿De que manera? ¿Con que elementos? ¿Como absorber los planteamientos originales para después crear un lenguaje propio? Pues incluso el performance al igual que la pintura ha caído en la preocupación de cuestiones que tienen como prioridad lo económico ahora resulta que hasta en la apertura de conciertos se hace un PERFORMANCE y no estoy en contra del lugar en el que se realice pues el performance también tiene que ver con el sito en el que se presenta, las dimensiones, la luces y el publico, etc., pero…algunas veces …la propuesta se ve eclipsada por la espectacularidad, el escándalo o el despliegue de tecnología o cursilería así como la capacidad del performancero para desatar el vomito en su espectadores.. En el caso de la fotografía también se nos hace un recuento desde la producción de Álvarez Bravo hasta l994 y la apertura del centro de la imagen desde las propuestas nacionalistas hasta preocupaciones que atañen a lo puramente formal, no obstante por el desarrollo que hemos visto en la pintura y otras disciplinas la fotografía no queda exenta de la tecnología y esto me lleva a pensar en el uso de un elemento como la CAMARA DIGITAL, las cámaras de los celulares , las trasmisiones inmediatas de video e imagen por la red, lo accesible y trasportable que se ha vuelto esta herramienta y obviamente en un nuevo soporte como lo es la WEB

“A toda época y generación corresponde acuñar conceptos adecuados y materializar espacios concretos para la producción y difusión de su fotografía”[2]

En su momento la CAMARA FOTOGRAFICA, desafió al PINCEL Y EL BASTIDOR
Ahora la CAMARA DIGITAL, desafía a LA CAMARA FOTOGRÀFICA, Y EL PAPEL …¿un ganador?…creo que el afortunado creador de ideas pues tiene mas preguntas y elementos para hacer un discurso
[1] Martinez, Renteria , Carlos, Cultura contra cultura, México, Plaza/J Anes, 2000. p 68
[2] Issa Ma. Benítez Dueñas (coordinadora). Hacia otra historia del arte en México. Disolvencias, México, Conaculta, 2004 , p.105

III. Posibilidades de una modernidad no occidental. IV. Redefinición de la modernidad

2006-12-18T15:41:00.000-08:00

“Con el final de la guerra fría puede afirmarse que la globalización económica ha pasado ha ser más importante que nunca como determinante de la jerarquía.”[1]

El regreso a lo primitivo, prehispánico, religioso; la búsqueda de una identidad en acciones que corresponden al pasado mas bestial del hombre, su conocimiento empírico, denotan que el hombre tiene la capacidad de volver sobre sus propios pasos y reencontrarse con el homo-sapiens perdido dentro del espejismo de la modernidad.

“Se emula la modernidad a través de la tecnología sin embargo, somos incapaces de entender cual es el funcionamiento de cualquier aparato tecnológico de nuestra cotidianidad. No somos capaces de vernos al espejo y entendernos”[2]
Percibimos un vació, no sabemos de que tipo es; se acerca a lo mítico, lo mágico y lo que no tiene explicación racional.

¿Por que necesita el hombre volver a sus orígenes y reflexionar su estar y ser en un tiempo especifico?

La posmodernidad, es un claro ejemplo de lo que la modernidad rechaza, recapitula sobre sus valores y antivalores. Sin caer en las radicalizaciones en las que cae la modernidad. Acoplando y agrupando a los valores de las etnias, y no rechazándolos.

Recolectando para existir… él mismo hombre lo hizo en su inicios; solo que en este momento lo que obtiene son ideas y no frutos.
El hombre fue y es recolector, fue cazador, se guió por un instinto salvaje al acecho de las presa, el día de hoy las presas son las costumbres e ideologías propias de cada civilización.

El hombre no pudo con el modernismo renunciar a su “yo” primitivo, así que quizá lo mejor sea enfocar la lente en el objetivo original…
“evolucionar”.

[1] Arriaran, Samuel, Filosofía de la posmodernidad. Critica a la modernidad desde América latina.
[2] Entrevista con Francisco Moyao, Septiembre 2006.

Tratado de libre comer. ¿Qué pasa con el arte en México?

2006-12-18T15:32:00.000-08:00

Después de todo lo que hemos, visto a lo largo del curso llega el momento en el que hay que retomar, dudar, investigar, proponer y hasta fusilar, para poder producir una obra personal, sin rendir pleitesías a nadie. Ya que la producción artística sólo depende del desarraigo del productor y no de los mecanismos que lo rodean.
Claro que es necesario invertir, tiempo, dinero y esfuerzo, en hacer algo que a nadie más que al mismo productor, le interesa. El artista se convierte en un quijote que lucha contra los molinos de viento y estos, ni siquiera reflexionan el ¿porque? de las batallas del quijote.
“En este entorno, los artistas contemporáneos han construido, en coyunturas improvisadas, incomodas y a veces contradictorias, sus escenarios particulares, dando pie a la producción, distribución y consumo de sus propias obras y proyectos”[1]
Las rutas fueron abiertas, los caminos encontrados, las propuestas diversificadas y los artistas se apropiaron del espacio para generar, cuestionar y manifestarse en el nombre del arte, sin importar títulos, disciplinas, técnicas, lenguajes, condición socioeconómica, creencias y fronteras siempre y cuando se cuente con los medios pa´ saltar el charco, el dinero parece ser lo de menos, se puede obtener de vender obritas en el jardín del arte y hasta de taxista o maestro. Y solventar este vicio llamado “ARTE”.
“En la indigestión de los modelos importados o locales nos hemos hecho escépticos. Por eso, de cualquier forma vale la pena preguntarse metódicamente: ¿Quiénes somos? ¿De donde venimos?, ¿Adónde vamos? ¿Habrá Boletos?”[2] Esto en el mejor de los casos, ya que para que el artista se, cuestione es necesario amalgamar un compromiso conciente con el trabajo y la vida misma… ya que ante los avatares de la cotidianeidad, estos momentos en que el arte se lanza a lo desconocido, se agradece la interdisciplinariedad; se extrañan los planteamientos “serios” que conocemos y nos hacen accesible la obra. ¿estos… son insuficientes?
[1] Cruz Villegas Abraham, Round de sombra, CONACULTA, México, 2006, 277p, p, 117.
[2] IBIDEM. p 155

El tiempo de la confrontación. Pintura mexicana en tiempos de cambio.

2006-12-18T15:18:00.000-08:00

México…
A la par del surgimiento de la llamada clase media en México, al igual que en el resto del mundo surgió, como propuesta del estado y por parte de la iniciativa privada la infraestructura cultural que dio pie al surgimiento de museos, galerías e instituciones culturales, que tenían como misión el reforzamiento de los nuevos valores de una “nueva nación”. Utilizando para este fin el trabajo de los artistas más reconocidos hasta ese momento. Implorando por el surgimiento de nuevos valores (Tamayo, José Luís Cuevas, Vlady, Gironella, etc.) que se adecuaban más a las imágenes culturales que se importaban del primer mundo, en pos de una universalización ideológica del pueblo mexicano. Acatando los principios del arte abstracto y transformándolo en la bandera que guiaría su experimentación estética.
Cuando la clase media apareció, un gran peligro surgió para los engranajes del estado, la pregunta era ¿ como lograr que una clase habida de poder no se acercara al conocimiento que el arte por si solo genera para el espectador? Por lo cual el sistema abrazo en su lecho a los intelectuales y productores artísticos con el fin de hacer llegar el mensaje que se fraguaba en las más altas cúpulas del poder. La autora, no solo hace referencia al poder de un país que salía de una revolución , como México, sino que el poder venia dirigido desde mas arriba , y tenia nombre : Estados Unidos. Comenzaba con estas manipulaciones a difundir su ideología por las “nuevas colonias” que se rendían a sus pies.
El arte es un medio de conocimiento e intelectualización, del hombre…
[En algunos casos ha sometido sus propios intereses a cuestionamientos ajenos al arte en sí, al hombre que lo produce y al espectador que lo consume]
-… ¿Cómo?, si esa es su función,
¿Por que en ese momento se utilizó para otra cosa?

Maria Eugenia Bejarano González
Monica Perez Quintero
Marilú Pérez Valderrama

El ritmo y la acumulación en la escultura.

2006-12-18T14:15:00.000-08:00

INRODUCCIÓN

“En el pasado la escultura era un cuerpo que ocupaba un lugar en el espacio. Ahora sabemos que en su evolución se ha convertido en un sistema de relaciones consigo misma y con su entorno. Que ha desembocado en lo real del espacio (obras penetrables) y su masa se ha ido aligerando para lograr un mayor dinamismo. Que sus estructuraciones le han permitido ser transitable y de ahí pasar a lo transitorio.”[1]
Idea
Material
Forma

Sabemos que, dentro de esté sistema de signos se gesta el desarrollo de factores formales y conceptuales , sabemos que al igual que cualquier sistema de signos contiene elementos tan contundente y claros como: la materialidad, propia de las características físicas propias del material en sí mismo y la tridimención propia de la relación espacial entre el objeto y su entorno. Sabemos que contiene en su estructura a todos los elementos formales como son:
El punto
La línea
El plano
El volumen el color
Sabemos que se dispone en el espacio por distintos medios como son:
La simetría
La oposición
La proporción
La dirección
El ritmo
El ritmo según Juan Acha menciona en su libro Expresión y apreciación artística: Es la repetición de secuencias que se genera cuando hay elementos que se repiten.[2]

En el caso lo dispara este trabajo es precisamente en el ritmo. Este elemento nos remite a la manera en que el escultor va ocupando y desocupando espacios; el escultor genera, descubre el espacio y al antiespacio.
Cuando él se enfrenta al bloque y lo interviene genera oquedades o volúmenes (cóncavo y convexo) proponiendo distintas maneras de danzar con el material en el espacio real, invitando al espectador y al material como cómplices de este momento.
En cualquier propuesta escultórica se presenta este fenómeno pero en algunas ocasiones el escultor logra llevarlo mas allá, elevándolo al nivel de las ideas y dotando al bulto de un dinamismo y una ligereza que interviene con el espectador y lo inmiscuye en la composición ante el espacio.
El escultor y el espectador al colocarse frente al a obra escultórica le dejan un poco de vida, el escultor y el espectador viven por que respiran, ese inhalar y exhalar es el mejor ejemplo de la presencia del ritmo.
El escultor inhala y llena el antiespacio de su interior con aire y al exhalar lo vacía, volvemos a la alternación. Y ya que el ritmo resulta de la alternancia de secuencias que se repiten. Es un fiel reflejo de la vida del escultor.

Un breve recorrido por la historia de la escultura.

Es por esto que el ritmo resulta interesante para observar por medio de éste la transformación de la escultura a lo largo de su propia historia al lado del hombre.
Si observamos la composición de esta ya conocida escultura, (stonehenhe)
Podemos ver que desde sus inicios el hombre se ha relacionado con el ritmo y en este caso específicamente le otorgo a la disposición de los módulos una connotación mágica, después de todo en ese momento de la historia el papel del arte era el de ser el complemento de la magia; lo que el hombre no comprendía. Lo interesante de esta propuesta recae en la repetición de los módulos y en la relación mágica que el hombre dejó sobre estos. Inicia con esto la apropiación del ritmo y de la acumulación. Claro que este es un ejemplo único, ya que hasta que el hombre no tuvo el dominio técnico del material, fue capaz de llevarlo a otros ámbitos de la escultura.

Con forme el tiempo avanza, avanza también a la par el dominio tecnológico del hombre sobre el material. En el renacimiento, el hombre y su modo de enfrentarse se altero, ya que como sabemos, en este momento fue cuando el hombre se convirtió en artista y su trabajo comenzó a funcionar a la par de las ideas, el arte se independizo y se comenzó a abordar con una problemática diferente. Se comenzaron a investigar problemáticas de composición y de proporción relacionadas con la belleza de los objetos producidos.
Quizás en esta etapa no es tan evidente la presencia del ritmo en las propuestas escultóricas ya que es extremadamente frontal, con relación a las propuestas del final del siglo XIX (Rodín) pero lo veremos mas adelante. Creo que sería importante rescatar la transformación escultórica con referencia al ritmo tomando como punto de partida la ubicaron espacial de ciertos puntos en los que recae la importancia de la obra, para el recorrido visual de la misma. El escultor proporciona al espectador un mapa de puntos de referencia para que este viera la obra como el escultor quería.
Son grandes saltos históricos, ya que el desarrollo de la escultura ha sido un poco lento en relación con las propuestas de otras disciplinas de las artes plásticas, ahora visuales.
Otro momento que a mi parecer es importante en este desarrollo es el momento en el que la escultura comenzó a torcerse por medio de esos mismos puntos de referencia que aparecieron en el renacimiento. Cuando aparecen “El beso” y “El pensador” de Rodín. Aun que esta es una propuesta, en la que la figuración y la belleza son aun eje de contemplación de la obra; el manejo del ritmo en los puntos de interés hace que el espectador por primera vez se vea forzado a rodear la obra para poderla disfrutar en todo su esplendor y en todos sus ángulos. Parecería hasta ese momento que el espectador un ser autónomo solo se enfrentaba al objeto escultórico como su intuición se lo marcaba, pero lo que podemos constatar con la aparición de las propuestas de Rodín es que el escultor tiene en sus manos la responsabilidad de que la propuesta llegue al espectador como el escultor lo quiere , para que su mensaje sea recibido en su totalidad y no como en claves de teléfono descompuesto.
En la propuesta de la puerta del infierno comenzamos a reconocer también otro elemento de trasformaciones para la escultura. Este elemento es a acumulación de elementos, esta tiene presencia desde el barroco pero en este caso me parece más evidente por cuestiones de conceptualizacion de la forma el mostrar esta imagen. Ya que el repetir secuencias comienza a cumplir con una función mas formal que ayuda a comprender el concepto al cual se refiere el autor. En el barroco este fenómeno se dio mas como un recurso decorativo, que esto no devalúa su valor técnico, pero no es el objetivo de este trabajo.

Con el comienzo del siglo XX y las revoluciones de todo tipo que se presentaron a nivel mundial. La escultura también presento alteraciones, que con el paso de los años la desprenderían de todos sus valores hasta el momento invulnerables.

La escultura comenzó a perder peso y a combinar su magnitud con el espacio, el escultor se vio ante la necesidad de ya no solamente alternar volúmenes o cóncavos y convexos, el escultor y la escultura necesitaron unirse al espacio para poder fusionarse entre ellos.
El ritmo se evidencio, ya que el contraste era más claro aun su presencia se magnificaba y con la repetición de las formas fuimos acercándonos a la segunda mitad del siglo XX.
En una atmósfera de destrucción y de falta de valores se fraguo la posibilidad de que la escultura fuera aun más allá.
Como todas en todas las ramas de las artes el nacimiento de la fotografía transformo la visión del artista y lo obligo a voltear a buscar nuevos horizontes para el desarrollo de sus propuestas. Los temas cambiaron, los materiales se incrementaron y el escultor se permitió la experimentación casi comparable con la s hipótesis de los científicos, convirtiendo el mero proceso de producción de objetos en una verdadera investigación de los fenómenos plásticos y visuales.
La escultura como cité al principio del texto, permitió que el escultor y el espectador la penetraran, permitió por medio del ritmo que se viera a través de ella, y por medio de la acumulación de formas en el espacio, evidencio la presencia de este mismo.
Con la alternancia, llegó la presencia, ya no existía la necesidad de representar las cosas ya que de eso se encargaba la fotografía, ahora el escultor cuestionaba de frente a la realidad y comenzaba a presentarla tal cual es. Sin un respeto aparente por los cánones que se exijan para la realización de obras de este tipo.
Veremos en el siguiente apartado obras de la segunda mitad del siglo XX en las que la contundencia y los alcances de la unión de estos dos elementos alcanzaron su máximo potencial.

Una pequeña muestra.
Escultores, que hacen de la acumulación un concepto escultórico.

Eric Hobsbawm en su libro Historia del siglo XX, en el capitulo XVII la muerte de la vanguardia: las artes después de 1950.Menciona a la escultura como la máxima expresión de las artes visuales ya que la pintura que había sido mas explotada por los pintores , comenzaba en esta época a parecer obsoleta . El reflejo dice el autor viene en la falta renombres importantes o destacados en este arte.
Algo que nos deja el postulado de la muerte del as vanguardias es, que abre a las futuras generaciones una infinita gama de recursos tanto técnicos, formales, estéticos y conceptuales para explorar en le desarrollo de sus investigaciones.
“Las innovaciones formales de los bohemios de estudio habían sido siempre un juego de niños ¿que eran las imitaciones futuristas de la velocidad, en los oleos comparadas con la velocidad real, o incluso poner una cámara cinematográfica en una locomotora, algo que estaba al alcance de cualquiera? “[3]

Los escultores que ya habían descubierto la relación entre las ciencias y el arte, y que habían comenzado a inmiscuirse en las distintas disciplinas del saber humano comenzaron por medio de las formas a dar respuestas a las incógnitas de las ciencias.
Albert Einstein, decía, que no había mejor explicación de su teoría del a relatividad que un móvil de Calder, por medio del ritmo Calder logro explicar la relación entre la unidades y el todo, repitiendo módulos, repitiendo secuencias y capturando la relación que existe entre ellos.

“Un móvil es un trozo de poesía que baila con la alegría de vivir y que nos sorprende."

En otro caso hablando formalmente, la función del ritmo se encuentra en la saturación de elementos para revalorar el espacio en función a su ausencia

La obra de arman es un reflejo claro de la necesidad del hombre por conseguir el placer por medio del arte, el individuo se acerca al arte y el arte se acerca al individuo, agradeciendo este, llevándolo a su vida cotidiana.
El hombre se acumula en las ciudades y genera objetos de los ya no es conciente. Cree que los objetos carecen de algún tipo de valor estético, hasta que el escultor, los retoma los acumula y se los regresa digeridos de otra manera. El individuo, continua agradeciendo devolviendo al escultor al pedestal que en otro tiempo le perteneció al objeto escultórico.

Por que la escultura, para este momento ya perdió su pedestal, su materialidad y hasta su cánones formales.

El lenguaje formal escultórico, se vio trastornado por la necesidad de materializar ideas que van más allá de la simple representación de fenómenos. El escultor presenta fenómenos que él mismo genera.

“en la experimentación de la obra por parte del publico, también fueron inaugurados formatos novedosos que permiten un vinculo, negando en ciertas vacaciones la discusión en torno al carácter comercial o a la inexistencia de la obra. …
La investigación y proyectos individuales de cada artista llevaron a pensar en modalidades y taxonomías que después de todo, la historia del arte todavía no acaba de construir.”[4]

El rimo ahora incluye, un nuevo elemento con el que se alterna el escultor, la obra y el espectador.
El espectador se vuelva dador de vida a la obra escultórica, que con paciencia espera a ser consumida.

“El espacio real es la medula de las nuevas obra, sus sentidos materiales y físicos así como sociales y políticos.
El espectador se transformo en un espectador, o en un fisgón accediendo a la obra al tiempo que la completa.”[5]
Al incluir al espectador en la obra, los motivos de las acumulaciones deambulan entre el complejo de urraca al que se refiere Arman, al hablar de su obra y la búsqueda no para comprender lo que se busca, sino para solamente comprende. Como lo menciona Cesar en el libro de Karl Rurenberg, Arte del siglo XX.

Cesar reclama a priori que cada escultura necesita tener su propio espacio y es por esto que la provee de todo el espacio que le es posible, negando toda posibilidad de que este se pierda en los huecos, aunque por mas apretado que de encuentre el material, el espacio siempre presente se alterna con las necesidades del escultor.
No hay mayor acumulación que la que no da cabida a nada más.

En otro caso parecido un poco al de Calder, por mencionar los fenómenos de los que se encarga la física, las acumulaciones y el correcto por no llamarlo majestuoso manejo del rimo, son capaces de generar ilusiones y de hacer que la materia flote entre dos superficies. Algo que parecería imposible de lograr rescata la magia que el hombre anhela del arte en la actualidad.

“Los sentidos en su carácter orgánico, se convirtieron, junto con las ideas propuestas por los artistas en territorios que se han expandido en giros y zigzags inesperados por los creadores
Mismos.”[6]

Conclusiones

La escultura por medio del ritmo, fue desmaterializándose hasta convertirse en algo que quizá ya no sea escultura, pero que tampoco ha podido obtener otro nombre. Por las características formales que la rodean, después de todo creo que lo importante no es el nombre que se le dé alas cosas, sino los resultados que más que ser al parecer sencillos; cada vez complica y enriquecen más el trabajo de los escultores o productores tridimensionales. En un futuro parecería difícil adivinar que es lo que va a suceder con la escultura, si seguirá viva o no, lo que si es algo seguro, es que los escultores si seguirán vivos, respirando y transformando la materia y el espacio.

[1] Hersua, la escultura transitoria, conferencia dictada en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP), 3 de junio del 2005.
[2] Acha, Juan, Expresión y apreciación artística, México , Trillas,
[3] Hobsbawm, Eric , Historia del siglo XX 1914 1991, , en el capitulo XVII, Barcelona, Crítica, 1996
[4] Cruz Villegas Abraham, Round de sombra , méxico , conaculta,, 2006, 277 p. P. 98.
[5] IBIDEM
[6] IBIDEM

Figuraciones y desfiguros de los 80 as. Pintura Mexicana joven.

2006-12-18T12:55:00.000-08:00

México, 19 de septiembre de 1985…
A nuestros pequeños ojos, la ciudad simplemente se sacudió y se desmoronó.
En el Campo de las artes también tratamos de reconstruirnos como pudimos, en algunos momentos por intuición y en otros guiados por la batuta de los mismos maestros de los que se renegaba. “acostumbrados a tratar lo que quiso decir, no podemos entender lo que vemos es, llana o complejamente, lo que vemos y lo demás es regocijo”[1]. Ahora después de tantos años y con un poco mas de conciencia, aludiendo al texto de Luis Carlos Emerich, creemos que aun los fragmentos necesarios para contestar este cuestionamiento no están esclarecidos y sobre una mesa especifica, parece que en el momento en el que se sitúa el texto los fragmentos aun con aroma a derrumbe no se terminan de unir; damos gracias de que así suceda. Porque podemos retomar, reinventar y quizá hasta fusilar. Invocando siempre o en el mejor de los casos a la razón.
¿Que es un artista en México?
a) El que tiene el tituló como artista visual.
b) El que produce obra para vender y no titulo.
c) El que no tiene ni titulo ni obra, pero si los conectes necesarios.
d) El que solo produce por el gusto de producir.
e) El que fue tocado por las musas de las artes.
f) El que fusila obras sin ton ni son, etc, etc, etc...
Retomar las cosas que suceden en el trascurso de la vida, esta vida que genera manjares para formar el alimento del artista, que ya no es el aplauso, sino la realización en sí mismo.
En México podríamos decir que no queremos a los neocosas, pero como no lo decimos, pues se siguen haciendo. Y “En diez años sólo charcos individualistas han osado correr sin caudal ni cause adecuados”[2]
Son muchos talvezes y el abanico es tan amplio que… ¿que resultaría si arriesgamos nuestra identidad como artista?
“Ojos que sirven para ver, ojos que sirven para llorar, podrán servir también para observar”.[3]
[1] Emerich, Luís Carlos. Figuraciones y desfiguros de los 80as . Pintura mexicana joven, México, Diana, 1989. p 47.
[2] IBIDEM, p 52
[3] Bouting, Laurence, Eduardo Chillida, Video VHS, FCE, duración 98 min.